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Femmes et guitare : halte aux idées reçues !

Cédric — Tue, 21 Feb 2023 11:21:30 +0000

Femmes et guitare : halte aux idées reçues !

Macho, l’univers de la guitare ? On pourrait le penser au vu de la sous-représentation des filles jouant de la gratte. Un phénomène qui touche autant la scène que les écoles de musique, dans les rangs des professeurs comme dans ceux des élèves. Décortiquons ensemble les raisons du faible nombre de femmes à la guitare. Je vous donnerai également quelques exemples de guitaristes féminines inspirantes et mes conseils pour bien débuter dans l’apprentissage de cet instrument.

Pourquoi les guitaristes féminines sont-elles sous-représentées ?

Il existe encore peu de données sur la place des femmes dans l’industrie musicale. D’après le ministère de la Culture¹, elles ne représentaient que 14 % de la programmation des festivals de musiques actuelles en 2019. D’autres chiffres du ministère², datant de 2001, révèlent que les instrumentistes professionnelles n’étaient que 8 % dans ce même domaine des musiques populaires. La guitare n’échappe pas à ce phénomène inégalitaire.

¹Observatoire 2022 de l’égalité entre femmes et hommes dans la culture et la communication (https://www.culture.gouv.fr/Thematiques/Etudes-et-statistiques/Publications/Collections-d-ouvrages/Observatoire-de-l-egalite-entre-femmes-et-hommes-dans-la-culture-et-la-communication/Observatoire-2022-de-l-egalite-entre-femmes-et-hommes-dans-la-culture-et-la-communication)

²Hyacinthe Ravet et Philippe Coulangeon, « La division sexuelle du travail chez les musiciens français », Sociologie du travail [En ligne], Vol. 45 – n° 3 | Juillet-Septembre 2003, mis en ligne le 18 novembre 2003, consulté le 10 janvier 2023. URL : http://journals.openedition.org/sdt/31922 ; DOI : https://doi.org/10.4000/sdt.31922

Un univers masculin et sexiste

Cette sous-représentation semble essentiellement due à des stéréotypes de genre. La guitare est plutôt associée au rock, au hard-rock ou au métal. Des genres où « traditionnellement » les groupes sont 100 % masculins et les filles cantonnées aux rôles de groupies, de muses ou au mieux de choristes. Un peu caricatural, me direz-vous ? Même si les choses évoluent, cette construction sociale a pourtant la vie dure.

Toujours en lien avec le mythe du guitar hero, la 6 cordes est perçue socialement comme un outil de séduction. Un biais qui ne va pas forcément attirer les femmes vers la pratique de cet instrument de musique. Au contraire, le « sexe faible » est plutôt incité à la douceur, au calme. La flûte ou le piano seront ainsi facilement conseillés aux jeunes filles tandis que les garçons feront du bruit à loisir sur une batterie ou une guitare électrique.

Un déficit de modèles féminins pour se sentir légitime

« Tu joues pas mal pour une fille ! » Cette phrase, trop souvent entendue ou lue sur les réseaux sociaux de femmes guitaristes, symbolise bien tout le problème. Les attentes du public (ou même des proches) semblent différentes selon que l’on soit une femme ou un homme.

Plus sensibles au regard des autres, plus sujettes au syndrome de l’imposteur, les gratteuses en herbe manquent aussi de modèles auxquels elles pourraient s’identifier. Il y a bien eu des all girls bands ou des groupes de rock majoritairement féminins dans les années 70, 80 et 90, tels The Runaways, The Bangles, Hole, L7, etc. Plus récemment, et surtout à ses débuts dans le genre country, Taylor Swift a contribué à un essor de l’apprentissage de la guitare parmi les filles. Mais toutes ces guitaristes restent beaucoup moins reconnues pour leur talent musical que leurs homologues masculins.

Et pourtant, de plus en plus d'apprenties guitaristes !

Soyons clairs : physiquement et mentalement, les femmes ont tout autant d’aptitudes à jouer de la guitare que les hommes. Seuls les stéréotypes perdurent, comme dans tout secteur à dominance masculine… Heureusement, la tendance serait en train de changer.

En effet, en 2015, le célèbre fabricant de guitares Fender a réalisé une enquête aux résultats encourageants : aux États-Unis, 50 % des guitaristes débutants sont des femmes ! Une proportion confirmée par une seconde étude trois ans plus tard, et incluant cette fois le Royaume-Uni. Une surprise pour la marque, qui s’explique par le fait que la majorité des filles achetaient leur instrument en ligne, et non en boutique – où, là encore, l’ambiance parfois intimidante dans les magasins de guitare et la peur du regard des autres contribuent à l’invisibilisation de ces musiciennes.

6 exemples de femmes guitaristes célèbres et inspirantes

Comment donner aux filles l’idée et l’envie d’apprendre à jouer de la guitare si elles ne sont pas suffisamment exposées à des rôles modèles féminins qui les inspirent ? Pour contrer ce manque de visibilité, voici quelques exemples parmi les nombreuses spécialistes de cet instrument. Elles l’ont fait, pourquoi pas vous ?

Sister Rosetta Tharpe, la marraine oubliée du rock'n roll

Injustement méconnue, cette guitariste pionnière n’est sortie de l’oubli que très récemment, notamment après son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame en 2018 ou à travers le biopic de Baz Luhrmann consacré à Elvis, sorti au cinéma en 2022.

Car pour certains, Sister Rosetta Tharpe n’est ni plus ni moins que l’inventrice du rock ! Elle est en effet l’une des premières à s’essayer à la guitare électrique, en mêlant gospel et blues dans les années 40. Elle a influencé de grands artistes comme Little Richard, Chuck Berry ou bien sûr Elvis Presley.

Jennifer Batten, l'archétype du guitar hero féminin

Avec son style unique et ses coiffures de choc, elle a marqué les esprits en accompagnant Michael Jackson pendant ses tournées dans les années 80 et 90. Elle joue ensuite pour Jeff Beck et sort ses propres albums solos.

Guitariste virtuose, Jennifer Batten a étudié au sein du prestigieux Guitar Institute of Technology à Los Angeles. Elle est en outre connue pour son tapping, technique qui consiste à taper les notes sur le manche à deux mains plutôt que de les gratter ou de les pincer.

St. Vincent, la plus expérimentale

Annie Clark, de son nom de scène St. Vincent, est une guitariste et chanteuse américaine. Musicienne expérimentale, tendance indie rock, son jeu est aussi subtil et unique que ses tenues de scène sont extravagantes !

Elle est l’une des rares femmes à avoir un modèle signature, fruit de sa collaboration avec le fabricant Ernie Ball Music Man. Une guitare dont le design convient parfaitement aux morphologies féminines, comme elle l’indique sur son compte Instagram : « Je voulais concevoir un outil qui serait ergonomique (avec de la place pour un sein – ou deux), léger et épuré. »

Kaki King, l'inclassable

Experte elle aussi du tapping et utilisant sa guitare acoustique comme percussion, cette talentueuse artiste américaine a notamment tourné avec les Foo Fighters. Reconnue à la fois pour sa technique et son sens des mélodies, Kaki King repousse sans cesse les limites de son instrument afin d’explorer de nouvelles sonorités.

Ses 9 albums solos sont autant de témoignages des différents genres qu’elle pratique et de son évolution musicale perpétuelle.

Laura Cox, la rockeuse française

À 18 ans, la française Laura Cox fait ses débuts sur YouTube en 2008. Elle est alors une des rares femmes guitaristes à se lancer sur ce réseau avec des vidéos de reprise. Elle réussit ensuite à quitter le virtuel pour fonder son groupe, avec lequel elle part en tournée (participant notamment à des festivals comme le Hellfest) et conçoit deux albums.

En janvier 2023, Laura Cox sort son 3e opus, confirmant son talent de guitariste et chanteuse aux influences allant de la country et du blues au hard rock.

Rockloé, la youtubeuse à suivre

YouTube est un tremplin incomparable pour les guitaristes. L’une des jeunes pousses françaises les plus suivies est Chloé Rebeiro, alias Rockloé. Elle a commencé la guitare à l’âge de 14 ans. Un an plus tard, elle postait déjà ses vidéos de reprise !

Avec aujourd’hui plus de 500 000 abonnés, sa chaîne s’est enrichie de compositions personnelles. En 2021, le magazine Rock&Folk l’a même classée parmi les 10 meilleurs guitaristes français, tous sexes confondus. Elle a également enregistré un premier album avec son groupe pop Roulez Jeunesse.

4 conseils pour se lancer et rester motivée dans l'apprentissage de la guitare en tant que femme

Comme toute personne débutant à la guitare, la règle numéro 1 pour progresser et ne pas vous décourager reste de pratiquer régulièrement. Mais je vous livre ici quelques recommandations plus spécifiques à la gent féminine.

1. Oubliez les clichés

Quand on est guitariste débutante, la première chose à faire est de ne pas écouter les machos du milieu et d’ignorer les normes établies. Oui, une fille peut jouer de la guitare, acoustique comme électrique ! Oui, elle est capable de s’exprimer en solo ou en groupe, dans le classique aussi bien que dans le heavy-metal, en passant par le flamenco ou le jazz ! Oui, elle sait changer ses cordes elle-même ! Oui, elle maîtrise les réglages de son ampli !

Tout cela s’apprend, idéalement avec un(e) prof, qui saura vous enseigner son art avec bienveillance. Certes, il existe des millions de tutoriels gratuits sur le web. Cependant, l’accompagnement personnalisé d’un professionnel, en présentiel ou en ligne, est un facteur clé pour la réussite de votre formation.

2. Choisissez une guitare adaptée à votre morphologie

Si vous êtes petite, une guitare standard, surtout acoustique, peut être un peu trop grande. N’hésitez pas à sélectionner un modèle compact, voire ⅞ ou ¾ si vous mesurez moins d’1m60. Il vous permettra d’être à l’aise sans perdre en qualité sonore. Vous pourrez toujours passer à la taille standard plus tard si besoin est. L’essentiel est de ne pas vous décourager dès le début avec un instrument encombrant, que vous manipulez difficilement.

Pour les petites mains, privilégiez les manches dont le dos présente un profil le plus plat et le plus fin possible. Certaines marques de guitares ont même un diapason réduit et par conséquent des manches plus courts. Cela évitera à vos doigts de devoir réaliser de trop grands écarts. Et puis, rassurez-vous : ils sont peut-être plus petits que ceux d’un homme, mais ils sont aussi plus précis !

Optez enfin pour des cordes à faible tirant , par exemple du 9-46 en électrique ou du 10-52 en acoustique. Elles vous aideront à faire sonner plus facilement les notes (et surtout les accords barrés) si vous manquez d’un peu de force et si vos doigts ne sont pas assez longs.

Retrouvez ici toutes les informations à connaître avant d’acheter votre première guitare !

3. Musclez votre jeu

La guitare n’est pas un instrument de musique simple à jouer : homme ou femme, vous aurez mal aux doigts au début. Mais rien d’insurmontable ! Avec la pratique, des cals se formeront rapidement au bout de vos doigts et la douleur disparaîtra.

Par contre, je vous conseille de passer un peu de temps à étirer et muscler votre main gauche (ou droite si vous êtes gauchère). Prenez une simple balle anti-stress, que vous pouvez utiliser quotidiennement, au bureau ou devant la télé. Un outil idéal pour renforcer les muscles de la main ! Plaquer les accords sur les cordes de votre guitare et obtenir un son net vous seront d’autant plus faciles.

Bien entendu, les exercices techniques type déliateurs et « écarteurs » seront également une aide précieuse pour gagner en force et en souplesse.

4. Faites jouer la sororité

Pourquoi ne pas monter votre propre groupe ? Avec des copines (ou même des copains s’ils ne tombent pas dans la catégorie des machos), d’autres musiciennes débutantes… Vous verrez, rien de tel que la solidarité féminine, une saine émulation et des répétitions organisées à intervalles réguliers pour progresser rapidement.

Si vous souhaitez aller encore plus loin et faire carrière dans la musique, pourquoi ne pas faire appel à un programme de mentorat féminin ? Renseignez-vous par exemple sur l’initiative lancée en 2019 par Wah!, plateforme ressource pour l’égalité et la diversité dans les musiques. Il existe également d’autres dispositifs régionaux ou à l’international, dédiés aux femmes dans le milieu de la culture.

Vous l’aurez compris, les femmes ne sont ni moins douées ni moins motivées que les hommes pour apprendre à jouer de la guitare. Elles doivent cependant lutter contre les stéréotypes et une certaine invisibilisation. J’espère que ce décryptage et ces conseils vous auront convaincue de sauter le pas.

N’hésitez pas à partager votre propre expérience dans les commentaires !

Rédigé par Florence Clair

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Contact : cedric@cours2gratte.fr

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Guitare acoustique ou électrique ? Le guide complet pour bien débuter

Cédric — Mon, 12 Dec 2022 11:50:33 +0000

Toutes les informations à connaître avant de choisir votre première guitare

Vous envisagez d’acheter votre première guitare ? Félicitations, vous êtes certainement sur le point d’adopter une fidèle compagne de vie ! Néanmoins, quelques questions vous tracassent et vous peinez à prendre votre décision. Vous ne savez pas vers quel instrument vous diriger et vous avez peur de faire le mauvais choix. C’est compréhensible, de nombreuses caractéristiques sont à prendre en compte avant de jeter votre dévolu sur une 6 cordes.

Rassurez-vous, je vous explique ici tout ce qu’il faut savoir sur les différents types de guitares et leur fonctionnement. Je vous livre mes conseils pour faire le meilleur choix selon vos goûts et votre style musical, sans oublier le budget à envisager pour l’acquisition de votre future guitare. Les avantages et les inconvénients des guitares acoustiques et électriques n’auront bientôt plus de secrets pour vous. À la fin de cet article, vous aurez une idée plus précise de l’instrument qui vous correspond le mieux en tant que débutant. Alors, guitare acoustique ou électrique ?

Les différences entre la guitare acoustique et la guitare électrique

Alors, comme cela, vous souhaitez vous offrir votre toute première guitare ? Avant de passer le cap de l’achat de votre 6 cordes, il est toujours préférable et intéressant d’en comprendre le fonctionnement. Rien de tel pour commencer une nouvelle discipline sur de bonnes bases, n’est-ce pas ? Alors, voyons tout de suite comment fonctionnent les guitares, qu’elles soient électriques ou acoustiques.

Le fonctionnement d’une guitare acoustique

Une corde en tension produit un son lorsqu’elle est grattée. Mais cette corde – seule – n’émet pas un signal sonore suffisamment puissant.

Le fonctionnement de la guitare acoustique repose justement sur l’amplification du son émis par les cordes, grâce à un système de résonance. Ainsi, lorsque les cordes sont pincées ou grattées, les vibrations des cordes se propagent sur la surface de la guitare (appelée « table d’harmonie »). Une fois que la table d’harmonie a reçu les vibrations des cordes, le son est amplifié par la caisse de résonance de la guitare.

La rosace prend ensuite le relai puisque c’est elle qui diffuse le son des cordes à l’extérieur du corps de la guitare. Sans cette cavité circulaire, présente sur toutes les guitares acoustiques, le son n’aurait aucun moyen d’être projeté.

Pour information, il existe 2 types de guitares acoustiques :

la guitare classique ;
la guitare folk.

Le meilleur moyen de les distinguer sans se tromper est de regarder leurs cordes. La guitare classique est très facilement repérable grâce à ses cordes en nylon sur les trois cordes les plus aiguës et donc les plus fines (qui sont les cordes de Sol, Si et Mi). La guitare folk – quant à elle – se démarque par ses 6 cordes en acier.

Bon à savoir : les appellations « guitare sèche » et « guitare acoustique » définissent les guitares qui n’ont pas de système d’amplification électrique. Les guitares folk et les guitares classiques font donc partie de la famille des guitares acoustiques !

Le fonctionnement d’une guitare électrique

Et, qu’en est-il du fonctionnement de la guitare électrique ? Les guitares électriques se distinguent des acoustiques sur un point crucial : par la différence du système d’amplification du son. Quand la guitare acoustique présente une amplification mécanique, la guitare électrique – elle – produit du son grâce à son amplification électrique.

Les cordes grattées émettent des vibrations qui sont captées par les micros. Les micros étant positionnés sous les cordes, se crée alors un champ magnétique qui se transforme en signal électrique.

L’ensemble des signaux électriques sont par la suite convertis en son par un amplificateur (l’ampli étant lui-même relié à la guitare par un câble jack). L’amplificateur a pour rôle :

de renvoyer les signaux électriques en ondes sonores (autrement dit d’interpréter les signaux) ;
de diffuser et d’amplifier le signal sonore ;
de transmettre le signal sonore aux enceintes.

Dès lors, le son est suffisamment puissant pour être audible. Il est bon de savoir que le signal sonore peut être modifié avec toutes sortes de contrôles, qu’il s’agisse de régler la tonalité ou d’ajouter des effets.

Après avoir éclairci les caractéristiques de bases qui différencient la guitare acoustique de la guitare électrique, voyons désormais les avantages et les inconvénients de chaque type de guitare un peu plus en détail.

Les spécificités de la guitare classique

Les points positifs de la guitare classique

Reconnaissable par ses 3 cordes aigües en nylon, la guitare classique est réputée pour être facile à jouer.

Même si les 3 cordes des notes les plus graves sont en métal, vous aurez bien moins mal aux doigts avec cette guitare classique qu’avec une folk. Voici pourquoi la guitare classique possède un confort de jeu si important :

La guitare classique a des cordes bien plus souples que la guitare folk, ce qui est notamment lié à ses 3 cordes les plus aiguës qui sont en nylon.
L’espacement entre le manche et les cordes est réduit en comparaison à la folk.

Autant dire que ce sont des aspects de la guitare classique qui vous aideront à maintenir plus facilement vos doigts sur les cordes et donc à mieux faire sonner vos accords.

La guitare classique a également un manche plus large que les autres autres types de guitares. En toute logique, l’espacement des cordes entre elles est donc aussi plus large. Les cordes étant plus éloignées les unes des autres, vous aurez davantage d’aisance à positionner vos doigts sur les bonnes cordes. Vous aurez moins de chance d’empiéter sur les cordes voisines, ce qui étoufferait les notes de vos accords.

Cette 6 cordes est connue pour être beaucoup plus jouée aux doigts qu’au médiator. Elle est d’ailleurs idéale pour apprendre à jouer les arpèges : une méthode de jeu qui consiste à décomposer distinctement et à la suite chacune des notes d’un accord.

La taille de la caisse de résonance de la guitare classique est un peu plus petite que celle de la guitare folk. En tant que débutant, cela peut contribuer à la meilleure prise en main de l’instrument.

Sa sonorité étant relativement douce, il y a peu de chances qu’elle crée des nuisances sonores dans votre environnement.

Autre avantage, elle nécessite un équipement minimal. Vous êtes équipés pour jouer partout et en tout temps avec seulement un accordeur, un capodastre et une housse pour le transport !

Les aspects négatifs de la guitare classique

La guitare classique a beau être la guitare la plus souvent recommandée aux personnes qui souhaitent apprendre à jouer, elle présente cependant quelques désavantages.

Vous avez pu comprendre qu’en tant que novice, la largeur de son manche présentait ses points forts. Et, à la fois, cette caractéristique peut s’avérer contraignante lors de votre initiation.

Il faut prendre conscience que plus le manche de la guitare est large, plus le plaquage parfait des accords avec vos doigts sera difficile. La guitare classique vous demandera donc davantage d’efforts pour maintenir correctement vos accords sur toute la surface du manche. Ce sera notamment le cas lors de votre apprentissage des accords barrés.

Il n’y a aucune interdiction de jouer avec un médiator sur la guitare classique, mais son utilisation est tout de même très peu répandue sur ce type de guitare.

Les particularités de la guitare folk

Les avantages de la guitare folk

Comme nous l’avons vu, la guitare folk se distingue de la guitare classique par ses cordes en acier. Grâce à la rigidité de ses cordes en métal, jouer régulièrement de la guitare folk vous aidera à former plus rapidement des callosités au bout de vos doigts.

Contrairement à la guitare classique, la folk dispose d’un manche plus fin qui vous offrira une meilleure prise en main lors de la réalisation de vos premiers accords. La guitare folk acoustique se joue tout autant avec ou sans médiator, qu’assis ou debout.

Tout comme la guitare classique, la guitare folk nécessite peu d’équipement pour débuter :

un accordeur ;
quelques médiators ;
un capodastre ;
une housse pour le transport si vous avez l’habitude de vous déplacer régulièrement ;
une sangle si vous envisagez de jouer debout.

L’avantage commun aux guitares acoustiques est qu’elles n’ont pas besoin d’amplification. Le système de la caisse de résonance est suffisamment puissant pour projeter le son des cordes.

Néanmoins, vous avez la possibilité d’amplifier des guitares classiques et folk. Elles sont très facilement utilisables avec un micro placé devant ou sous la rosace : rien de plus simple à installer !

Les inconvénients de la guitare folk

C’est une certitude, la guitare folk va rapidement créer de la corne au bout de vos doigts, mais l’entraînement vous fera bien plus mal qu’avec la guitare classique, surtout lors de vos débuts !

Les douleurs sont principalement liées à deux facteurs :

Les cordes en acier sont plus épaisses et plus rigides que les cordes en nylon.
L’espacement entre le manche et les cordes est plus important que sur la guitare classique.

Ainsi, il est tout à fait normal de ressentir plus de tension et de résistance sous vos doigts en jouant avec une folk. Cette guitare demande plus d’efforts pour plaquer et maintenir vos cordes contre les frettes. Le meilleur moyen de pallier tout cela est en réalité de jouer beaucoup et régulièrement :

Plus vous jouerez, plus vous aurez de callosités.
Plus vos doigts seront protégés par la corne, moins vous aurez de douleur.
Moins vous aurez mal, plus les cordes vous paraîtront faciles à jouer.

Son manche plus fin a beau présenter l’avantage d’une meilleure prise en main, cela implique aussi que l’espacement des cordes entre elles est forcément réduit. Il sera donc moins évident pour un guitariste débutant de placer ses doigts sur les cordes sans empiéter sur les cordes voisines. Avec une guitare folk acoustique, il faudra être minutieux pour faire sonner très distinctement toutes les cordes d’un accord sans étouffer les notes.

En termes de taille, son corps est un peu plus imposant que les autres types de guitares du fait de sa plus grande caisse de résonance. Qu’il soit question d’y jouer ou de la transporter, elle sera donc un tout petit peu plus volumineuse que la guitare classique ou électrique.

Les caractéristiques de la guitare électrique

Les atouts de la guitare électrique

Elle n’est pas toujours conseillée comme la six cordes idéale pour débuter. Et, pourtant, la guitare électrique peut aisément faire partie de la liste des guitares les plus faciles à jouer :

Son corps est peu imposant et très peu large du fait qu’elle ne comporte aucune amplification acoustique.
Son manche est très fin.
La souplesse de ses cordes est évidente : vous aurez besoin de beaucoup moins de force que la guitare folk pour plaquer vos doigts sur les cordes.
L’espacement entre les cordes et le manche est réduit, elle est donc beaucoup plus facile à jouer que la guitare folk.

La guitare électrique est sans conteste une guitare très polyvalente. Il est possible de la coupler avec une multitude de pédales à effets (telles que les pédales de distorsion, de réverbération, de chorus, etc.). Vous aurez le choix de changer ses micros pour en modifier la sonorité. En somme, cette six cordes est modulable à l’infini et renferme un gros potentiel.

Inutile de préciser qu’elle est idéale pour faire de la scène. On peut aussi jouer de la guitare électrique avec un casque sans prendre le risque de déranger sa famille ou son voisinage. Aucune excuse n’est valable pour ne pas s’entraîner, même tard dans la nuit !

Les désavantages de la guitare électrique

La guitare électrique ne revêt pas que des avantages. Opter pour l’achat d’une électrique, c’est prendre en compte qu’il faut beaucoup plus s’équiper qu’avec une guitare acoustique.

Sans compter qu’il faut considérer les prix des éléments qui lui sont indispensables, dont l’amplificateur qui détient le rôle et le budget le plus important. Sans lui, l’utilisation de la guitare n’est pas optimale. Vous l’imaginez, votre budget devra être plus conséquent si votre choix se porte sur une guitare électrique.

Elle a beau être moins imposante en termes de taille et de volume, elle reste cependant plus lourde que toutes les autres guitares. Et, ce n’est pas pour rien puisque son corps est généralement plein et renferme toute la partie électronique : les micros, la prise jack, les potards de volume et de tonalité, etc.

Il ne faut idéalement pas avoir peur de se lancer dans les quelques réglages de sonorité sur l’instrument et sur l’amplificateur.

La guitare électrique présente l’inconvénient d’avoir un matériel lourd, volumineux et fragile à transporter. C’est notamment le cas pour l’ampli, mais aussi pour la guitare en elle-même. Elle détient un matériel qui vient s’ajouter aux accessoires de base des guitares acoustiques. Vous devrez donc prendre toutes vos précautions pour déplacer vos pédales d’effets, vos câbles, votre ampli, en plus de l’accordeur, des médiators, d’une sangle et d’un capodastre.

Sans surprise, la guitare électrique a besoin d’être branchée à une prise de courant. Bien qu’il existe aujourd’hui des solutions portables telles que des amplificateurs à piles ou sur batterie, l’accès à une prise électrique reste tout de même primordial pour une utilisation coutumière.

Jouer au casque ou à des horaires décents (ou être raisonnable sur le volume de votre ampli) reste la plus sage des recommandations que je puisse vous livrer pour préserver votre entourage des nuisances sonores.

Vos goûts sont déterminants pour le choix de votre guitare acoustique ou électrique

La sélection de votre guitare selon vos styles de musique

Maintenant que vous en savez un peu plus sur l’anatomie, le fonctionnement et les spécificités des différents types de guitares, le moment est venu de vous intéresser à vos affinités musicales. Le style musical par lequel vous êtes naturellement attiré vous guidera vers le choix idéal de votre future 6 cordes.

Quelles musiques écoutez-vous ? Quel genre musical vous charme le plus ? Quel style voulez-vous jouer à la guitare ?

Pour répondre à ces questions, faites une mini introspection et intéressez-vous de plus près à votre répertoire musical. Et, pour vous aider, voici une liste non exhaustive des styles les plus communément joués en fonction des types de guitares. Ainsi, vous pourrez d’ores et déjà vous faire une idée de la guitare la plus adaptée à votre style musical et à la sonorité recherchée.

La guitare classique est plus adaptée aux styles suivants : flamenco, chansons françaises, chansons à texte, jazz manouche, musiques latines…

La guitare classique a un son doux, feutré et chaleureux. Il est difficile de lui faire sonner des chansons pop rock : elle n’est pas adaptée à tous les styles musicaux.

La guitare folk est compatible avec le pop rock, le blues, les musiques contemporaines, le rock, le country, le jazz…

Avec ses cordes en acier, le son de la guitare folk est puissant et métallique. La variété des styles qui peuvent être joués avec la folk fait d’elle une guitare polyvalente. Elle s’adapte à de larges registres musicaux.

La guitare électrique s’appropriera à merveille les styles jazz, rock, métal, blues, grunge, funk…

Le réglage de l’ampli, de la guitare et l’ajout des effets jouent un grand rôle dans la couleur et la texture du son de la guitare électrique. Si vous êtes fan de rock et de métal, prenez sans hésiter une 6 cordes électrique comme première guitare ! D’autant plus, si votre but à long terme est d’apprendre à jouer les solos de vos guitaristes préférés.

L’apparence et la personnalisation de votre future guitare

Comme dans beaucoup d’autres domaines, la régularité est la clé pour apprendre à jouer de la musique. Or, pour être régulier dans votre initiation à la guitare, il faut avoir envie de jouer : c’est sur cette envie que vous devez travailler. Parce que l’envie devient motivation, choisissez idéalement un instrument pour lequel vous avez une révélation, voire le coup de foudre !

Tel un enfant devant un jouet, votre guitare doit devenir votre source de divertissement. Le style et l’apparence de votre future six cordes seront grandement déterminants dans votre choix, surtout si vous débutez à la guitare. À quoi bon débuter l’apprentissage de la musique sur une guitare qui ne vous évoque rien et ne vous procure aucune sensation ? Voire pire, qui vous rebute ! Cela ne ferait que ternir – ou repousser – vos sessions musicales.

C’est pourquoi le premier regard que vous porterez sur votre future guitare aura – dès le départ – une grande importance pour la suite de votre apprentissage. Procurez-vous un instrument avec un style qui vous plaît et qui vous correspond. Accordez une attention toute particulière à ses formes, son esthétique, ses matériaux, sa couleur et son apparence de manière générale. Après tout, votre guitare va bientôt devenir une extension de vous-même !

Elle correspond en tous points à votre personnalité ? Merveilleux, l’impact sur votre motivation et la régularité de vos entraînements pourrait vous étonner. Si la vue de votre instrument vous procure du plaisir, de la fierté et que vos doigts brûlent d’envie de gratter ses cordes, considérez que c’est une étape de gagnée !

Et, si le look de la guitare que vous avez trouvé vous plaît un peu moins que dans votre imaginaire, rien ne vous empêche de la customiser. Faites-vous plaisir : personnalisez-la avec des stickers de vos groupes préférés, accessoirisez-la avec des sangles, relookez-la avec des rosaces et des décors de manche. Donnez-vous envie de jouer !

Nul doute, vous aurez plus de facilités à jouer sur une guitare que vous appréciez. C’est une décision très personnelle où vous devez laisser parler vos goûts et votre ressenti.

L’importance d’expérimenter plusieurs guitares avant l’achat

Les tests pour bien choisir votre première guitare

Vous ne devez pas tomber seulement sous le charme visuel de votre six cordes, vous devez aussi la trouver facile à prendre en main et confortable à jouer. Il faut vous sentir à l’aise avec la taille de son corps, la largeur de son manche, son poids et surtout apprécier sa sonorité.

S’il vous paraît logique d’essayer une ou plusieurs paires de chaussures en magasin avant de passer en caisse, il est tout aussi évident de tester plusieurs guitares avant de sortir votre carte bancaire. Vous devez être convaincu de votre achat. Pour cela, rien de mieux que de tester plusieurs instruments.

Et, ce conseil est bien évidemment valable, peu importe le type de guitare que vous allez choisir. C’est une étape indispensable avant de prendre votre décision.

Variez les formes des corps de guitare, expérimentez des six cordes conçues avec des matériaux différents, essayez diverses marques et gammes de prix. Testez autant de guitares que vous le souhaitez et éprouvez-les. Par la même occasion, cela vous laissera le temps de vérifier que l’instrument n’a pas de défauts, tels qu’un vernis abîmé, des mécaniques défectueuses ou encore un manche fragilisé.

Si vous ne savez pas encore jouer, allez dans un magasin avec un ami qui pourra tester diverses guitares à votre place et vous aider à vous faire un avis. Sinon, osez profiter des conseils des professionnels dans les magasins de musique. Ils vous guideront dans votre choix et essaieront plusieurs guitares devant vous. Posez-leur toutes les questions qui vous viennent à l’esprit, ne vous en privez pas.

Accordez une attention toute particulière à la sonorité de ces instruments. En fonction des bois utilisés, les guitares acoustiques n’émettent pas la même résonance. Il en est de même pour la configuration des micros qui varient d’une guitare électrique à l’autre. C’est à l’écoute que votre choix peut s’aiguiser et se préciser.

Le prix de votre première guitare pour débutant

Il n’est pas toujours simple de se faire une idée du budget en fonction du type de guitare, n’est-ce pas ? Pour savoir comment vous positionner, voici les prix que vous trouverez sur le marché.

La guitare classique : elle vous coûtera forcément moins cher que ses cousines folk et électrique. Vous en dénicherez des neuves à partir de 40 ou 50 euros. C’est la guitare idéale pour vous essayer à l’instrument à moindres frais. Néanmoins, je vous conseille de partir sur un budget d’une centaine d’euros pour une première guitare d’étude de qualité.

Startone, Thomann, Harley Benton, Fender ou encore Yamaha sont des exemples de marques que vous rencontrerez sur le marché pour les guitares classiques.

La guitare folk : il faut envisager un budget plus élevé que la guitare classique puisque cette acoustique est accessible à partir de 70 euros. Je vous conseille toutefois de prévoir une enveloppe d’une centaine d’euros pour acquérir une folk correcte.

Ces marques sont réputées pour avoir des instruments de qualité, à un prix accessible, pour les guitaristes qui débutent : Harley Benton, Fender, Yamaha, Cort, Ibanez ou encore Takamine.

La guitare électrique : sans surprise, c’est la guitare qui a le coût le plus élevé. Il faut prévoir un budget minimal de 80 euros pour les gammes les plus basses et envisager un coût d’au moins 160 euros pour une guitare électrique de meilleure qualité. Les prix peuvent monter jusqu’à plusieurs milliers d’euros lorsqu’il s’agit de guitares haut de gamme. En ce qui concerne l’achat d’un ampli, les premiers prix se situent aux alentours des 100 euros.

Vous repérerez les références suivantes sur le marché des guitares électriques d’entrée de gamme : Harley Benton, Squier, Epiphone, Yamaha ou encore Ibanez.

Le prix de la guitare n’est pas le seul élément à prendre en compte. Le matériel additionnel et indispensable doit s’ajouter à la note. Comme vous l’aurez compris, ce sont les guitares acoustiques qui nécessitent le moins de frais étant donné qu’elles ont besoin de très peu d’équipement.

En ce qui concerne les prix des accessoires :

Un accordeur varie de 7 à 20 euros en moyenne.
Les 6 cordes en nylon sont accessibles dès 4 euros. Le jeu de 6 cordes débute à 6 euros pour les guitares folk et électrique.
Le lot de médiators est accessible à 2 euros.
Une housse de transport pour guitare s’achète dès 12 euros.
Une sangle de guitare est accessible dès 5 euros.
Un câble jack se vend aux alentours de 10 euros.

L’achat d’une guitare neuve n’est cependant pas systématique. Pas de panique si votre budget est restreint : envisagez une guitare d’occasion ! Lancez vos recherches sur des sites d’annonces en ligne ou dénichez les bonnes affaires en magasins.

L’achat d’une première guitare a beau être un acte symbolique, ne vous mettez pas trop la pression pour le choix de votre premier instrument. Gardez à l’esprit que les guitaristes n’ont rarement qu’une seule guitare en leur possession. Rien ne vous empêche de trouver une seconde guitare plus tard, si la passion des cordes vous emporte ! Peu importe celle que vous choisirez, tant que vous prenez du plaisir dans votre apprentissage et qu’elle réunit l’ensemble de vos critères. Vous l’aurez compris, le choix de votre première guitare est une décision très personnelle.

Et vous, préférez-vous débuter avec une guitare acoustique ou électrique ? Dites-le moi en commentaire !

Rédigé par Julie Bois

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Solo Blues : 2 notes pour sortir de la penta

Cédric — Sun, 20 Nov 2022 12:21:52 +0000

Solo Blues : 2 notes pour sortir de la penta

Vous avez du mal à sortir de la gamme pentatonique mineure quand vous jouez un solo Blues ? Le monde obscur des modes et des arpèges vous effraie ?

Pas de panique ! Dans cet article et sa vidéo, découvrez comment mettre du relief dans vos impros Blues en jouant les 2 notes clés des accords septième. Un moyen facile de vous libérer du carcan de la penta et de faire ressortir la grille de l’accompagnement pendant vos solos !

Les deux notes principales des accords Blues

Je ne m’attarderai pas sur ce point, dont je vous ai déjà parlé en détail dans l’article 2 notes pour mieux jouer vos accompagnements Blues. Je vous invite à y jeter un œil avant de poursuivre votre lecture, si ce n’est pas déjà fait.

Pour faire court, les accords utilisés en Blues sont les 7e de dominante et leurs versions enrichies (9e, 13e, etc.)

Un accord 7e est une tétrade, autrement dit un accord constitué de quatre notes : la fondamentale, la tierce majeure, la quinte juste et la septième mineure. Les deux notes clés qui donnent le son légèrement dissonant typique de cette forme d’accord sont la tierce majeure et la septième mineure.

Nous avons vu dans l’article précédemment cité comment mettre l’accent sur ces deux degrés pour construire des accompagnements Blues simples et mélodieux. Mais pouvons-nous adapter ce principe au solo Blues ? Yes we can !

Jouer vos solos Blues sur les accords plutôt que sur la gamme

Beaucoup de guitaristes s’enferment dans la gamme pentatonique et ont l’impression de sonner toujours pareil pendant leurs impros… Et ce n’est pas qu’une impression ! Vous vous reconnaissez dans cette description ? La raison est simple : vous vous focalisez sur les notes de votre gamme, au lieu de vous concentrer sur les notes qui constituent l’accord joué dans l’accompagnement à l’instant T.

Pour résumer grossièrement, on pourrait dire qu’en jouant les notes de la gamme sans plus de réflexion, vous êtes sûrs de ne pas faire de fausse note. Mais en mettant en valeur dans vos solos les notes de l’accord qui passe derrière, vous êtes sûrs de jouer les BONNES notes : celles qui mettront de la musicalité dans vos phrases.

C’est le principe des arpèges : on solote sur les notes de l’accord joué dans l’accompagnement. Un concept clé chez les jazzmen, qui le maîtrisent à la perfection. Ok me direz-vous, mais on l’aime notre penta, surtout en Blues ! Rassurez-vous, il ne s’agit pas de la bannir. Il vous suffit d’injecter dans votre penta les notes clés de l’accord joué dans la grille.

Ces notes clés sont-elles dans la gamme pentatonique ?

Oui… et non ! Pour rappel, la grille Blues est constituée de 3 accords septième, construits sur les degrés 1, 4 et 5 de la tonalité. Dans un Blues en Do, on aura donc :

Un Do 7e (premier degré) ;
Un Fa 7e (quatrième degré) ;
Un Sol 7e (cinquième degré).

Si vous souhaitez mettre en valeur les tierces majeures et les septièmes mineures de ces trois accords, vous devrez donc repérer 6 notes. Trois d’entre elles appartiennent à la gamme pentatonique mineure de la tonalité principale : il s’agit des septième mineures de chaque accord. Leurs tierces majeures n’en font pas partie.

Vous voyez pourquoi je disais précédemment que cette approche du jeu en arpèges est facile d’accès : il vous suffit d’ajouter 3 notes à votre penta, et de repérer sur quel accord de la grille Blues jouer chacune d’entre elles.

Placement des notes clés de chaque accord sur la penta Blues

Puisque nous parlons de Blues, utilisons la penta Blues ! Voici le schéma de sa première position en tonalité de La, que vous connaissez probablement déjà :

Voyons maintenant les notes clés de chaque accord superposées à la gamme.

Notes clés de l’accord 1 sur la gamme pentatonique

Voici où se trouvent la tierce majeure et la septième mineure de l’accord 1 (ici un La 7e) sur la gamme pentatonique Blues de La :

Comme vous pouvez le constater, la septième mineure de l’accord fait déjà partie de la penta. Mais c’est une note souvent laissée de côté par beaucoup de guitaristes, qui préfèrent insister sur la fondamentale et la tierce mineure. Pensez à finir vos plans et vos phrasés sur la septième mineure pendant votre solo Blues, vous ferez ressortir la sonorité légèrement dissonante propre à ce style.

La tierce majeure ne fait pas partie de la penta blues, mais la plupart des Bluesmen l’utilisent. Ils la jouent souvent en faisant un bend ou un slide depuis la tierce mineure, et en finissant leur phrase sur la fondamentale. Mais ne vous sentez pas obligé de l’utiliser uniquement en note de passage : conclure vos phrasés sur la tierce majeure apportera chaleur et mélodie à votre impro, et mettra immédiatement en valeur l’accompagnement.

Notes clés de l’accord 4 sur la gamme pentatonique

Voici maintenant la tierce majeure et la septième mineure de l’accord 4 (ici un Ré 7e) superposées à la penta :

La septième mineure de l’accord 4 fait elle aussi partie de la penta Blues : c’est la tierce mineure de votre gamme. Attention à ne pas céder au réflexe typique des Bluesmen, de faire un bend sur votre tierce mineure lorsque l’accord 4 passe dans l’accompagnement. Le résultat sera beaucoup plus mélodieux si vous restez dessus au lieu d’aller chercher votre tierce majeure.

La tierce majeure de l’accord se situe quant à elle en dehors de la penta. C’est la sixte majeure de votre tonalité principale, un des degrés clés du mode Dorien. Mais pour rester simple, souvenez-vous simplement que vous pouvez y accéder facilement en décalant la septième mineure de votre gamme d’une case vers la gauche.

Vous pouvez par exemple faire un slide depuis la septième mineure sur le passage de l’accord 1 à l’accord 4 : effet garanti ! Le changement d’accord s’entend même sans accompagnement.

Notes clés de l’accord 5 sur la gamme pentatonique

La tierce majeure et la septième mineure de l’accord 5 (ici un Mi 7e) se situent un ton plus haut que celles de l’accord 4, donc 2 cases vers la droite :

La septième mineure de l’accord 5 fait partie de la gamme pentatonique Blues, il s’agit de sa quarte. Il est courant de faire un bend d’un ton sur cette note pour atteindre la quinte de la gamme lors du passage à l’accord 5. Ce qui est parfaitement logique, étant donné qu’il s’agit de la fondamentale de l’accord. Vous savez désormais que vous pouvez rester sur cette note sans la bender, cela sonnera également très bien.

La tierce majeure de l’accord 5 est placée juste avant la fondamentale de la tonalité. Comme vous pouvez le voir sur le schéma, cela vous donne des possibilités de chromatisme très intéressantes sur 2 cordes :

La quarte, la quinte diminuée (Blue note) et la quinte sur la corde de La ;
La tierce majeure de l’accord, entourée par la septième mineure et la fondamentale de la gamme, sur la corde de Ré.

Pensez-y pour faire des plans rapides en enchaînant facilement hammers et pull off sur ce groupe de cases.

Utilisation pour les turnarounds en solo Blues

Le placement de ces notes clés de chaque accord est intéressant à repérer : elles sont situées sur les mêmes cordes, sur trois cases consécutives :

N’hésitez pas à vous servir de ce décalage pour créer des turnarounds faciles à mettre en place et diablement efficaces à la fin de votre grille Blues (voir les exemples dans la vidéo en fin d’article.)

Un principe à utiliser partout sur le manche

Comme toujours en guitare, vous pouvez décliner ce concept partout sur le manche. Voici trois schémas vous montrant le placement de ces notes à l’octave.

Notes clés de l’accord de La 7e doublées à l’octave :

Notes clés de l’accord de Ré 7e doublées à l’octave :

Notes clés de l’accord de Mi 7e doublées à l’octave :

Une fois que vous aurez pris le temps de maîtriser ce concept sur la position 1 de la penta Blues, je vous invite à le transposer sur les quatre autres positions pour l’utiliser partout sur le manche.

Connaître le timing des changements d’accords

Comme nous l’avons vu plus haut, tout l’intérêt du concept évoqué dans cet article est de faire ressortir les changements d’accords effectués dans l’accompagnement. C’est cela qui rend l’utilisation de ces notes si musicale.

A contrario, prenez garde à ne pas jouer au mauvais moment une des trois notes qui ne font pas partie de la penta Blues. Votre mélodieux phrasé se transformerait instantanément en un riff ultra dissonant de Deathcore ! Or, en Blues, cela s’appelle une monumentale fausse note.

Il est donc indispensable de bien connaître la grille Blues et de toujours savoir à quelle mesure vous vous situez :

Soyez attentifs à l’accompagnement, ne mettez pas toute votre attention sur votre guitare. Et bien sûr, écoutez un maximum de Blues pour intégrer de façon inconsciente le timing des changements d’accords propre à ce style.

Vous trouverez plusieurs exemples concrets de phrasés pentatoniques mettant en valeur les notes clés de chaque accord de la grille dans la vidéo ci-dessous :

Plans dont on use et abuse, gamme pentatonique mineure, blue note et bends à gogo : on peut vite s’enfermer dans ces gimmicks typiques du solo Blues, et finir par sonner toujours pareil.

Pensez à ce principe de notes clés pour varier vos impros et y apporter un peu plus de couleurs et de nuances. Et cerise sur le gâteau : si vous maîtrisez ce concept, vous aurez déjà fait les trois quarts du chemin pour jouer en arpèges sur du Blues.

Retrouvez tous les diagrammes de cette leçon dans le PDF à télécharger gratuitement :

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2 notes pour mieux jouer vos accompagnements Blues

Cédric — Tue, 01 Nov 2022 13:53:39 +0000

2 notes pour mieux jouer vos accompagnements Blues

Vous aimez le Blues, mais avez du mal à trouver de nouveaux accompagnements ? Vous tournez en rond sur vos shuffles et les rythmiques Blues-Jazz vous semblent trop complexes ?

Nous allons voir dans cet article et sa vidéo un moyen simple et efficace de créer des rythmiques avec des accords Blues miniatures. Constitués de seulement deux notes, ils présentent trois grands atouts qui vous seront toujours utiles pour vos jams :

Ils sont faciles à utiliser
Ils laissent énormément d’espace sonore aux autres membres du groupe, notamment la voix ou le soliste
Ils mettent très efficacement en valeur la grille Blues

N’oublions pas que le Blues est le style par excellence ou simplicité rime souvent avec musicalité ! Voyons quels sont ces mini accords Blues ainsi que leurs notes clés, et comment les utiliser.

Les accords Blues

Différents types d’accords sont utilisés en Blues, mais tous ont une base commune : l’accord septième de dominante, également appelé accord 7e. Il s’agit d’une tétrade, autrement dit d’un accord constitué de 4 notes : une Fondamentale, une tierce majeure, une quinte juste et une septième mineure.

Les accords 9e et 13e, très courants également en Blues, sont des enrichissements de l’accord 7e. On ajoute une cinquième note à la tétrade 7e afin d’obtenir un son encore plus riche : une seconde à l’octave pour le 9e, et une sixte à l’octave pour le 13e.

D’autres types d’accords Blues peuvent être utilisés, comme des substitutions ou des altérations (accords 7e avec une quinte augmentée ou diminuée). Mais d’une part, ces alternatives sont beaucoup moins courants, et d’autre part cela ne remet pas en question les deux notes clés dont nous allons parler dans cet article.

Les notes clés des accords Blues

Les accords 7e, 9e et 13e ont trois notes particulièrement importantes en commun. Il s’agit des degrés 1, 3 et 7, autrement dit de la fondamentale, de la tierce majeure et de la septième mineure. C’est la combinaison de ces trois notes qui donne le son typique et légèrement dissonant de ces accords, et du Blues en général.

Il est courant, dans la plupart des styles musicaux, de jouer seulement des « bouts » d’accord majeur ou mineur sur le manche à la place des formes complètes. Pour des accords majeurs ou mineurs de base, on joue alors la fondamentale, la tierce (majeure ou mineure) et la quinte sans les répéter à des octaves différentes. Cela donne des formes d’accords sur trois cordes, jouées à trois doigts maximum, faciles à poser sur le manche : les triades.

Ce même principe est souvent utilisé en Blues. Afin de garder des formes d’accords simples constituées de seulement trois notes, il est courant de ne pas jouer la quinte. Nous allons ici pousser ce principe de simplification encore un peu plus loin, en ne jouant que deux notes de nos accords 7e : la tierce majeure et la septième mineure.

Les accords Blues minimalistes à 2 notes

Voici la forme de ces accords Blues ultra simplifiés. Nous allons prendre l’exemple des trois accords qui seraient le plus couramment utilisés dans un Blues en La :

Le La 7e, en position complète puis en position à deux notes :

Le Ré 9e, en position complète puis en position à deux notes :

Le Mi 9e, en position complète puis en position à deux notes :

La simplicité de ce principe ne réside pas uniquement dans la forme de ces accords. Pour passer de l’un à l’autre, il vous suffit de décaler la même position d’une ou deux cases vers la gauche ou la droite. En voici une illustration ci-dessous, avec en noir le La 7e, en rouge le Ré 7e et en bleu le Mi 7e.

Des accords parfaits pour le jeu en groupe

Pourquoi ne pas jouer la fondamentale, me direz-vous ? Comme son nom l’indique, c’est tout de même la note pilier de notre accord ! C’est vrai, mais n’oubliez pas ce que l’on recherche en priorité en Blues : le son typique des accords 7e. Or cette dissonance est obtenue par le décalage entre la tierce MAJEURE et la septième MINEURE.

De plus, bien que ces accords peuvent être utilisés quand vous jouez seul, ils prennent tout leur intérêt en groupe. En effet, ils remplissent très peu l’espace sonore, et laissent donc beaucoup de place aux autres musiciens. Les fondamentales, très souvent jouées par les bassistes, n’ont donc pas forcément besoin d’être à nouveau mises en avant par les guitaristes.

Par ailleurs, plusieurs instruments ont tendance à se marcher les uns sur les autres au niveau des fréquences Middle : la guitare, le piano (ou clavier, ou orgue), l’harmonica, et les voix, pour ne citer que les plus courants en Blues. Or, une des grandes spécificités de ce style est la place prédominante accordée aux solos de ces mêmes instruments.

Il est donc primordial de laisser un maximum d’espace sonore à la voix où au soliste. Et ce, peu importe le nombre de musiciens qui jouent l’accompagnement, y compris dans les sessions jams Blues avec 5 guitaristes sur scène ! Vous comprenez maintenant pourquoi des accords constitués de seulement 2 notes prennent tout leur sens dans ce contexte musical.

Des accords Blues faciles à décaler partout sur le manche

Moins un accord contient de notes, plus il est aisé de le bouger partout sur le manche. Cela permet de le jouer :

Avec différents timbres sonores : une même note n’a pas exactement le son selon la corde sur laquelle on la joue.
À différentes hauteurs : une position simple à 2 notes donne un accès facile à n’importe quelle octave disponible sur le manche de votre guitare.

L’intérêt de pouvoir placer ces accords Blues partout sur le manche est double :

Il vous donne un grand choix de placement dans les fréquences pour laisser encore plus de place aux autres instruments.
Il permet, au contraire, de jouer des accompagnements riches et variés lorsque vous avez besoin de remplir l’espace sonore (dans le cadre d’un duo guitare-voix ou d’un trio guitare-basse-voix, par exemple.)

Voici une illustration de tous les placements possible d’un mini-accord de La 7e sur les 10 premières cases du manche :

Comme vous avez pu le voir tout au long de cet article, ces mini-accords Blues ont un petit format, mais présentent un grand intérêt ! Déjà, par la simplicité enfantine de leur positionnement à deux doigts et de leurs déplacements sans changement de corde. Ensuite, par l’opportunité qu’ils offrent de vous placer à l’endroit le plus approprié dans l’espace sonore en fonction du contexte musical.

Enfin, ils vous permettent d’identifier rapidement les notes clés d’un accord 7e partout sur le manche. Pensez-y pendant vos solos et vos impros Blues !

Vous trouverez des exemples d’accompagnement avec ces accords Blues minimalistes dans la vidéo ci-dessous :

Retrouvez tous les diagrammes de cette leçon dans le PDF à télécharger gratuitement :

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Comment maîtriser les bends à la guitare

Cédric — Sun, 23 Oct 2022 14:45:38 +0000

Comment maîtriser les bends à la guitare

En anglais, to bend signifie plier, tordre. Ainsi, un bend est une technique qui consiste à plier une corde pour en changer la note. Cela paraît facile,, énoncé de cette façon. Pourtant, exécuter un bend à la guitare ne se fait pas au hasard. Cette pratique demande de la précision qui ne peut s’acquérir que par un apprentissage appliqué.

Vous cherchez une manière simple et ludique de vous entraîner ? Vous voulez connaître les différents types de bends et comment les effectuer parfaitement ? Je vous explique tout dans cet article et les tutos vidéos ci-dessous.

Réussir ses bends à la guitare

Le principe de base pour un bend juste

Le bend est une technique très répandue en rock et en blues. On a notamment en tête les solos légendaires de Jimi Hendrix ou BB King. Quand on les écoute jouer, on se dit que faire un bend à la guitare, c’est facile. Mais n’est pas Hendrix qui veut !

Commençons par le commencement : quelle est l’utilité d’un bend ? Cette technique consiste à partir d’une note plus grave que celle que l’on souhaite atteindre, puis de plier la corde pour monter dans les aigus. Par exemple : En partant d’un si (case 7) sur la première corde, on peut jouer un do (case 8), en effectuant un bend.

La difficulté de l’exercice réside donc dans la précision du geste. Il faut être capable de s’arrêter pile au niveau de la note visée, sous peine de sonner faux.

Les positions de la main et du poignet pour ne pas se blesser

Au-delà de l’importance dans l’exécution du geste, adopter une bonne posture permet d’éviter les blessures. En effet, la technique du bend sollicite activement les articulations du poignet, de la main et des doigts, mais aussi les tendons et les muscles.

Effectuée approximativement, elle peut provoquer des micro-déchirures et des tendinites. Inutile de préciser qu’un guitariste à la main ou aux doigts douloureux aura du mal à jouer juste.

Pour positionner correctement votre main, vous allez devoir trouver votre point d’appui – ou point pivot – situé à la base de la première phalange de l’index, juste après l’articulation entre ce doigt et le métacarpe. Ce point doit rester en contact permanent avec le manche durant le bend.

Le premier doigt ainsi calé, effectuez un mouvement de rotation du poignet et de l’avant-bras, comme si la main venait agripper le manche. Petit conseil supplémentaire : entraînez-vous à bien réaliser ce geste avant d’essayer de l’intégrer dans vos morceaux.

La place et la fonction des doigts pour réaliser un bon bend

Reprenons notre exemple présenté plus haut : aller d’un si vers un do, sur la première corde. Pour cela, placez le troisième doigt (l’annulaire) sur la case 7. Posez ensuite les premier et deuxième doigts (l’index et le majeur) sur la même corde, en soutien. Ils peuvent être collés à l’annulaire ou légèrement en retrait.

C’est l’annulaire qui fait sonner la note de départ. Le rôle des autres doigts est d’apporter de la force et de la stabilité. Je vous conseille d’ailleurs de toujours vous servir au minimum de deux doigts pour faire un bend, et de trois si vous en avez la possibilité, quitte à bouger un peu la main. Vous serez plus fort, la note sera plus stable, et vous ne risquez pas de vous blesser.

Comment travailler la justesse des bends ?

Après avoir passé en revue le rôle de la main dans l’exécution des bends, attardons-nous sur l’autre organe indispensable à tout bon guitariste : votre oreille ! Elle seule pourra juger de la justesse de votre technique durant la phase d’apprentissage.

La méthode élémentaire pour jouer des bends qui sonnent juste est d’écouter une note, de s’en imprégner, puis d’essayer d’atteindre le même son avec un bend en partant d’une note plus grave. Vous pouvez utiliser un accordeur pour vérifier la justesse de vos notes bendées, si vous n’avez pas confiance en votre oreille.

La base de l’apprentissage des bends à la guitare

Mettons tout cela en pratique avec l’exemple du do (case 8) que l’on veut obtenir à partir d’un si (case 7) sur la première corde :

Écoutez le son produit par les cases 7 et 8, en alternance, de sorte que votre oreille évalue la distance sonore à parcourir.
Placez votre troisième doigt en case 7, soit un demi-ton de plus dans les graves que la note à atteindre.
Posez les doigts 1 et 2 sur la corde, en soutien.
Essayez d’obtenir le do en effectuant le mouvement de rotation de l’avant-bras et du poignet propre au bend.

Il est important de monter les doigts de façon nette et progressive — autrement dit sans palier — et de s’arrêter une fois la note atteinte. Si vous la dépassez, votre bend sonnera faux.

Les étapes à respecter pour s’exercer sereinement

Vous savez désormais comment vous entraîner à faire des bends sur votre guitare. Pour autant, ne passez pas à côté des étapes ci-dessous qui vous aideront à peaufiner votre pratique :

Au départ, exécutez vos bends lentement. Vous pourrez augmenter la vitesse quand votre geste deviendra instinctif.
Quand vous serez à l’aise avec la technique sur un demi-ton, essayez sur un ton entier. Pour cela, il faut bender deux cases en dessous de la note souhaitée. Pour jouer un bend qui se finira sur le do (case 8), vous devrez donc positionner votre troisième doigt en case 6, sur le si bémol.
Continuez à vous exercer sur la même corde, mais en choisissant un autre endroit sur le manche.
Une fois que vous avez exploré les différentes hauteurs de bends sur une corde, vous pouvez passer aux suivantes.

Quelques conseils supplémentaires pour progresser

Parce qu’on ne devient pas Slash des Guns N’ Roses sans avoir le souci du détail, en voici quelques-uns qui pourront faire la différence. Tout d’abord, ne négligez pas le tirant de vos cordes. Le mieux est qu’il soit assez souple. Un tirant de 9 ou 10 pour la corde aiguë est idéal. Attention, si vous changez de tirant, il faudra vous habituer à de nouvelles sensations lors des bends.

À ce propos, il est important que vous preniez conscience des sensations dans votre main lorsque vous atteignez la note recherchée, en gardant les doigts en place quelques secondes. Elles sont différentes selon la corde et l’endroit du manche où le bend est réalisé. Elles vous seront utiles notamment lorsque vous vous attaquerez aux bends descendants, que nous verrons plus bas.

Durant votre exploration du manche, vous remarquerez que plus on va dans les aigus, moins il est nécessaire de plier la corde pour faire un bon bend. Cela le rend plus simple à exécuter, mais vous devrez prendre garde à ne pas dépasser la note souhaitée avec un geste trop ample.

Dans la même logique, plus on descend vers la tête du manche, plus les cordes sont tendues. Il faudra donc mettre plus de force dans le poignet et le bras pour plier la corde. Faire un bend sur la case 1 peut vraiment s’avérer compliqué. C’est pourquoi il est préférable de commencer l’apprentissage au milieu du manche, puis de monter vers les aigus, pour terminer par les notes les plus graves.

Enfin, un conseil pour éviter les blessures : ne passez pas trop de temps à vous entraîner. Cela peut être mauvais pour votre main. Des sessions régulières de 5 à 10 minutes sont suffisantes pour faire l’exercice qui vous a été proposé ici.

Vers le haut ou vers le bas ?

Un bend peut être réalisé en pliant la corde vers le haut ou vers le bas. Dans les deux cas, la note montera vers les aigus. En général, sur les trois cordes aiguës, on le fera plutôt vers le haut, alors qu’on ira vers le bas pour les cordes les plus graves. Pour autant, rien n’est gravé dans le marbre. Vous pouvez tout à fait réaliser un bend vers le haut sur la quatrième corde, ou vers le bas sur la troisième.

À savoir : un bend vers le bas demande moins de force et entraîne donc moins de tension dans les doigts. Pour des exemples en vidéo de toutes les infos que je vous ai données jusqu’à présent, c’est ici :

Comment lire les accords ?

Jusqu’ici, nous avons vu la technique basique du bend, celle qui consiste à faire monter et descendre la corde. À l’oreille, on distingue clairement ces deux phases. Cependant, les morceaux mythiques du rock et du blues nous ont appris qu’il existe d’autres types de bends.

Les bends montants et descendants

Quand vous jouez un bend, vous pouvez faire en sorte qu’on n’entende que sa montée ou sa descente. Pour la première option, il vous suffit d’exécuter le geste comme vu précédemment, mais d’étouffer la corde au moment de sa descente. Pour couper le son, servez-vous de votre autre main en posant votre pouce sur la corde utilisée pour faire le bend.

Attention toutefois à ne pas couper le son trop tôt ou trop tard. Une nouvelle fois, je vous conseille d’apprendre cette technique en la jouant lentement, pour accélérer une fois qu’elle sera maîtrisée.

Si la descente d’un bend peut être étouffée, il en va de même pour la montée. Pour cela, grattez votre note après avoir plié votre corde. De toute évidence, il est impossible de se servir de son oreille pour savoir si la note est atteinte à la montée. D’où l’intérêt de vous familiariser avec les sensations de vos mains et d’acquérir des automatismes.

Ce bend, très souvent utilisé dans les solos, émet un son particulièrement mélodieux et très reconnaissable. David Gilmour, le guitariste de Pink Floyd, en est d’ailleurs friand.

L’utilisation du vibrato sur les bends

S’il est une chose que tout bon guitariste blues connaît, c’est l’émotion apportée par un bon vibrato sur un bend. Pour le réaliser, il vous faut d’abord faire le bend, atteindre la note souhaitée, puis faire des mouvements de corde rapides de haut en bas.

Pour obtenir un son fluide, ne faites pas un réel mouvement de descente de la corde. Contentez-vous de relâcher la tension dans les muscles des doigts et de la main. Ainsi, la corde se détend légèrement de façon tout à fait naturelle. Pour la faire remonter, il vous suffit de contracter à nouveau les muscles de vos doigts.

Le vibrato présente une difficulté de taille. Il faut descendre puis revenir à la bonne note, sans la dépasser et sans faire de variations trop marquées. Là encore, pour un apprentissage facilité, augmentez la vitesse du mouvement de façon progressive.

Découvrez en détail toutes les techniques décrites ci-dessus dans cette vidéo :

La technique du double stop

Pour vous expliquer la marche à suivre, nous allons utiliser un exemple en gamme pentatonique mineure de La. Réalisez un bend d’un ton depuis la quarte (case 7 de la 3ème corde) en visant la quinte. Posez ensuite votre petit doigt sur la note qui est juste en dessous sur la penta mineure (case 8 de la 2ème corde). Prenez bien garde à ne pas plier votre seconde corde pendant que vous bendez la 3ème, sous peine d’obtenir une fausse note mémorable !

Cette variante est très utilisée en Country, en Blues, en Rock ou encore en Métal. On l’entend très nettement dans le début du solo de Nothing Else Matters de Metallica. Ce morceau est basé sur la gamme pentatonique mineure de mi, qui démarre donc en case 12. James Hetfield fait un bend d’un ton sur la case 14 de la troisième corde, en gardant la seconde bien stable, le petit doigt posé en case 15.

Un autre exemple ? Faites un bend sur la septième case de la troisième corde, en maintenant un barré avec le premier doigt sur la cinquième case des cordes 1 et 2. On retrouve ainsi le plan de départ du solo de Highway to Hell d’AC/DC, ou du plan principal de l’intro de Johnny B. Goode de Chuck Berry.

Retrouvez plus d’infos sur les bends en double-stop dans cette vidéo :

Les bends hurlants

Vous voulez faire crier votre guitare pour atteindre le climax de vos solos Blues, Rock ou Métal ? Cette dernière technique devrait vous plaire ! Il s’agit ici d’une variante du bend en double stop. En effet, on gratte 2 cordes en même temps. Mais on va cette fois plier les deux cordes que l’on gratte, une complètement, la seconde partiellement.

Le bend volontairement « loupé » de la seconde corde va apporter une dissonance qui, couplée à une bonne grosse distorsion, va donner cette impression de guitare qui hurle à la mort.

Voici un tuto vidéo détaillé de cet effet de jeu intense :

Le bend est une technique indissociable de la guitare électrique. On le retrouve dans la plupart des styles musicaux, et il est indispensable de le maîtriser. J’espère que cet article et ses tutos vidéos vous auront éclairé sur l’apprentissage et le bon usage de cet effet de jeu, et que vous vous empresserez de le mettre en pratique dans vos reprises, vos impros et vos compos.

Dites-moi en commentaire si vous maîtrisez toutes les variantes de bends, et votre tiran de corde préféré pour les réaliser.

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5 concepts pour créer vos propres rythmiques à la guitare

Cédric — Sun, 02 Oct 2022 15:29:52 +0000

5 concepts pour créer vos propres rythmiques

Vous avez l’impression de tourner en rond en rythmique ? Vous cherchez à apprendre de nouveaux rythmes, ou mieux encore vous voulez savoir comment en inventer facilement ?

Dans cet article, je vous présente 5 concepts pour créer des variantes à partir du rythme Feu de camp. Si certaines restent très proches de l’original, d’autres sonneront très différemment, et pourtant elles utilisent la même base de construction.

Cela vous permettra d’inventer de nombreuses rythmiques de guitare sans vous prendre la tête avec la théorie. C’est également un bon exemple de comment s’approprier un concept que vous connaissez déjà (position d’accord, rythme, gamme, etc.) pour créer votre propre musique.

Commençons par rappeler brièvement ce qu’est le rythme Feu de camp.

Rappel : le rythme Feu de camp

Le rythme Feu de camp est une rythmique de base à la guitare. Il s’adapte parfaitement à de nombreux styles musicaux et à tous les tempos, et fonctionne aussi bien sur acoustique que sur électrique. Et, dernier point ô combien important : il est facile à reconnaître et à jouer, et convient donc très bien aux débutants.

Ces avantages en font un des rythmes les plus utilisés à la guitare. Si les débutants en usent et en abusent, les guitaristes confirmés ne le boudent pas non plus. On trouve des tonnes de morceaux de musiciens professionnels composés et enregistrés en rythme Feu de camp.

Cette popularité explique qu’on ait donné un nom à cette rythmique, utilisée couramment pour accompagner les chansons en soirée, notamment autour d’un… feu de camp !

Elle est construite sur une mesure en 4 temps, et sur un battement régulier de la main droite, en croches. Autrement dit, votre main va vers le bas sur les temps, et vers le haut sur les contretemps, de façon constante, que vous touchiez vos cordes ou pas. Sans jamais varier ce mouvement, vous allez gratter comme suit :

Pour en savoir plus, voici une leçon vidéo détaillée sur le rythme Feu de camp :

Jusque là, rien de bien nouveau pour la plupart des lecteurs de cet article. Mais voyons maintenant le premier concept à appliquer pour créer vos propres rythmiques en déformant le rythme feu de camp : le placement des accords.

1. Changer le placement des accords

La plupart du temps, on effectue les changements d’accords sur le temps 1 du Feu de camp. Mais ce n’est absolument pas une obligation ! Placer vos changements d’accords sur d’autres temps à l’intérieur de votre mesure vous aidera à casser le côté prévisible et parfois trop carré de ce rythme. Il est possible d’accentuer encore cet aspect asymétrique en plaçant certains de vos accords sur les contretemps.

Vous pouvez écouter un bon exemple de ce principe dans le morceau « Talkin bout a revolution » de Tracy Chapman. Elle change d’accord sur le temps 1 et sur le second contretemps (le second « et ») de ses mesures :

Vous pouvez écouter cette rythmique et apprendre le morceau dans le tuto vidéo ci-dessous, et retrouver sa grille d’accords dans l’article dédié au chant et à la guitare acoustique.

Il est bien évidemment possible de placer un ou plusieurs de vos changements d’accords où vous le souhaitez à l’intérieur de votre rythme Feu de camp.

Voici deux exemples à essayer pour vous inspirer : le premier avec un placement d’accord juste après le temps 3, et un second avec un changement immédiatement après le temps 1 :

À vous d’expérimenter et de trouver les variations qui vous plaisent et qui correspondent au morceau que vous jouez ou composez.

2. Gratter sur des timings différents

Ce second conseil d’expérimentation est probablement le plus facile et le plus efficace pour créer des patterns de main droite qui sonnent différemment du rythme Feu de camp.

Son principe est simple : le battement de main droite reste le même, mais on change les temps et les contretemps où l’on gratte. On peut par exemple décider de ne gratter que sur les temps 1, 3 et 4, ainsi que sur le dernier contretemps de la mesure, comme cela :

Vous pouvez constater que cela donne une rythmique différente, plus adaptée aux tempos lents. Elle fonctionne particulièrement bien pour les ballades Pop-folk, et est utilisée par exemple sur « Knockin on heaven’s door » de Bob Dylan.

Il est possible de s’éloigner bien plus radicalement du rythme Feu de camp. Ainsi, vous pouvez choisir de ne jouer que le temps 1 et les contretemps de la mesure : au revoir la Pop-variété, bonjour le Reggae !

Voici ce que cela donne :

Pour un effet encore plus reggae, pensez à bien couper le son de vos accords immédiatement après les avoir grattés. Privilégiez l’utilisation de barrés pour un meilleur contrôle de vos silences et de vos staccatos (un staccato, ou « piqué » est l’action de couper un son juste après l’avoir joué.).

3. Construire une rythmique sur deux mesures

Comme nous l’avons rappelé dans la première partie de cet article, le rythme Feu de camp est construit sur une seule mesure. Mais rien ne vous empêche de composer vos patterns sur deux mesures, tout en gardant le mouvement de balancier du Feu de camp. Cela vous donnera un rythme plus riche et plus long.

Vous pouvez jouer le même accord sur les deux mesures, ou faire plusieurs changements d’accords à l’intérieur de votre rythmique. Vous avez évidemment le choix de placer vos accords sur n’importe quel temps ou contretemps de vos deux mesures, sur le même principe que le premier concept de cet article.

Vous pouvez également choisir de gratter ou de laisser des silences où bon vous semble, comme nous l’avons vu dans la partie précédente. Voici deux exemples de rythmiques à la croche composées sur deux mesures :

4. Jouer le rythme Feu de camp en arpèges

Quand on pense Feu de camp, on pense généralement rythme gratté. Mais un rythme est défini uniquement par 2 choses à la guitare :

Le moment où vous décidez de jouer vos notes ;
La longueur des notes et des silences.

Vous pouvez donc faire un Feu de camp en grattant toutes les cordes de votre accord simultanément, ou en les jouant une par une. Dans ce dernier cas, c’est donc un Feu de camp joué en arpèges. Cette technique, également appelée picking, consiste à détacher les notes d’un accord plutôt que de les jouer toutes ensembles.

Vous pouvez choisir de jouer vos arpèges aux doigts (Fingerpicking), au médiator (Flatpicking) ou en utilisant votre médiator plus le majeur, l’annulaire et le petit doigt de votre main droite (Hybrid picking).

Voici deux exemples en tablature de picking sur une rythmique Feu de camp :

5. Ajouter et enlever des notes aux accords en rythme

Il est possible de facilement agrémenter vos rythmiques avec des phrasés mélodiques en ajoutant et en enlevant des notes à vos accords. Vous pouvez jouer ces variations soit en grattant, soit en réalisant des hammer et des pull-off. Dans les deux cas de figure, soyez attentif à bien rester en rythme.

Pour faire ces changements, il vous suffit d’ajouter ou de retirer un doigt de votre position d’accord puis de revenir au placement initial. Voici un exemple en tablature sur l’accord de Do :

Bien entendu, il vous faut auparavant repérer sur chaque accord les notes qui sonneront bien. Par exemple, les cases 3 des deux cordes aiguës (les notes Sol et Ré) peuvent être ajoutées sur un accord de Do pour l’embellir. La case 4 sera par contre à éviter absolument.

Idem pour les doigts à enlever : testez et repérez vos variations préférées. Je ne vous conseille toutefois pas d’enlever le doigt placé sur la note la plus grave d’un accord, ni d’en ajouter un si votre note la plus grave est une corde à vide. Vous modifiez alors votre fondamentale, qui est la note pilier de l’accord, et l’effet risque d’être déroutant pour vos auditeurs.

Mis à part ce petit avertissement sur les fondamentales, suivez votre instinct et votre oreille, et osez être créatifs !

Retrouvez en vidéo des exemples de ces 5 conseils dans le tuto relié à cet article :

Avec ces 5 concepts, vous voyez qu’il est facile de créer de nombreuses rythmiques tout en gardant la base du rythme Feu de camp : le balancier régulier de la main droite, avec un mouvement vers le bas sur les temps et vers le haut sur les contretemps.

Bien entendu, vous pouvez utiliser plusieurs de ces principes en même temps, ce qui multiplie encore la palette de variations à votre disposition.

Inspirez-vous de ces idées pour inventer vos rythmiques, mais aussi pour déformer et vous approprier les concepts musicaux derrière tout ce que vous apprenez. Accords, rythmes, gammes, plans d’impros… La musique, c’est avant tout de l’art et de la créativité, pas un catalogue de gimmicks à apprendre et recracher par cœur !

Retrouvez tous les exemples de rythmiques et d’arpèges de cette leçon dans le PDF à télécharger gratuitement :

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Penta run majeur et mineur : le guide complet

Cédric — Fri, 30 Sep 2022 09:18:28 +0000

Guide penta run : Maîtriser les gammes étendues

Se lancer dans l’impro peut paraître assez déroutant quand on débute en guitare. L’envie est présente, nos doigts nous démangent et pourtant, on ne sait pas par où commencer.

Vous aimeriez jouer vos propres plans et riffs ? Vous ne savez pas comment faire groover vos morceaux ? L’heure est venue d’apprendre les gammes pentatoniques étendues.

Utilisées dans des milliers de solos, les pentas majeures et mineures viennent enrichir vos sonorités grâce à un enchaînement de déplacements sur le manche. Découvrons ensemble, tous les rouages du penta run majeur et mineur pour que vous ne soyez jamais bloqué sur scène au moment d’improviser.

Qu’est-ce qu’une gamme pentatonique à la guitare ?

Avant de nous lancer dans l’apprentissage du penta run majeur et mineur, il est essentiel de bien comprendre ce qu’est une gamme pentatonique. Celle-ci est élémentaire dans votre évolution en tant que guitariste.

Comme son nom l’indique, elle se compose de cinq notes (penta signifiant « cinq »). Avec la fondamentale ou tonique comme premier degré, elle s’articule autour d’intervalles d’un ton et d’un ton et demi. Elle vous permet, ainsi, de réaliser des enchaînements de deux notes par corde sans la moindre difficulté. Car oui, elle ne nécessite l’utilisation que de votre index et de votre annulaire. Vous pouvez dire adieu à votre petit doigt, du moins pour cette leçon.

Connaître les gammes pentatoniques comporte un avantage indéniable lorsque l’on démarre l’apprentissage de la guitare. Simples et pratiques à la fois, elles vous permettent de construire des solos et des riffs, et ce, quel que soit le genre musical. Blues, soul ou encore funk, vous n’avez qu’à tendre l’oreille pour comprendre que les guitaristes se plaisent à les utiliser. Bien qu’il en existe plusieurs, les plus courantes sont la penta majeure et la mineure.

Apprendre les gammes pour maîtriser le penta run

La penta ou gamme pentatonique mineure

Dans le langage commun, lorsque l’on parle de gamme pentatonique, on fait généralement référence à la penta mineure. Elle est sans conteste la plus utilisée par les guitaristes tous genres confondus. Et pour cause, sa simplicité permet de composer ou d’improviser des solos sans grande difficulté.

Cette dernière se construit donc selon les intervalles 1,5 ton, 1 ton, 1 ton, 1,5 ton, 1 ton et se compose :

d’une fondamentale aussi appelée tonique ;
d’une tierce mineure ;
d’une quarte juste ;
d’une quinte juste ;
d’une septième mineure.

Cette gamme sert de base à des millions de riffs et de solos de tous styles. Que ce soit en Rock, Blues, Funk, Pop ou même Métal, elle a inspiré les plus grands.

La gamme pentatonique majeure

Moins connue que la mineure, la pentatonique majeure permet d’adoucir vos solos de guitare avec des sonorités plus chaudes typiques des morceaux de Rhythm and Blues. Très intéressante à exploiter, elle vient compléter la penta mineure. Vous n’avez qu’à mixer ces deux gammes pour obtenir un effet caractéristique du blues : la superposition des sonorités majeures et mineures.

Elle se construit sur les intervalles 1 ton, 1 ton, 1,5 ton, 1 ton, 1,5 ton et se compose :

d’une fondamentale ;
d’une seconde majeure ;
d’une tierce majeure ;
d’une quinte juste ;
d’une sixte majeure.

Si on la retrouve principalement dans la soul et la country, elle peut engendrer des phrasés intéressants dans une grande majorité de genres musicaux modernes. La gamme pentatonique majeure faisait, pour ainsi dire, partie intégrante de la signature de Jimi Hendrix. On la retrouve, par exemple, dans l’intro de « Little Wing ».

Bien qu’elle soit souvent délaissée au profit de sa cousine, il est certain que la penta majeure ouvre une multitude de possibilités à votre jeu.

Assimiler le penta run mineur à la guitare

Étendre le run sur 3 positions du manche

Maintenant que vous avez compris les rudiments de la gamme pentatonique, place à l’apprentissage et à la pratique du penta run mineur. Ce principe consiste à déplacer à divers endroits du manche un carré de quatre notes placé autour de la fondamentale, en glissant de la quarte vers la quinte :

Examinons brièvement les déplacements sur les deux premières positions de la pentatonique de La. Nous allons partir de notre fondamentale en case 7 de la quatrième corde pour glisser jusqu’à la deuxième position. Votre tonique se retrouvera donc en case 10 de la seconde corde.

Pour bien comprendre cet exercice, je vous renvoie aux vidéos consacrées à la penta mineure position 1 et position 2.

La gamme pentatonique étendue vous permet aussi de passer facilement et rapidement des graves aux aigus en partant de la première position. Il vous suffit de répéter ce même schéma à l’octave inférieure. En restant dans la tonalité de La, vous retrouvez votre fondamentale en case 5 de la sixième corde. Vous êtes donc sur la position 5.

Pour une meilleure compréhension, rendez-vous à 1:47 min de la vidéo suivante :

Afin de prendre en main ce schéma de cinq notes, n’hésitez pas à le répéter plusieurs fois en partant en diagonale des graves aux aigus.

Optimiser les démanchés

Il n’est pas toujours évident de savoir passer d’une position à une autre lorsque l’on apprend la penta. La gamme pentatonique mineure étendue vous permet d’effectuer des déplacements de manière subtile et mélodique, et ce avec seulement deux doigts.

Ainsi, vous allez pouvoir booster vos solos de guitare avec de grandes montées dans les aigus ou descendre rapidement dans les graves (cf la vidéo ci-dessus à 9:20 min). Vous avez également la possibilité d’explorer chacune des positions en vous déplaçant de l’une à l’autre avec le penta run.

Pensez à optimiser vos enchaînements en ajoutant des liaisons comme le slide, le bend, le hammer ou le pull-off.

Petite subtilité concernant le slide : je vous conseille de vous entraîner à utiliser votre troisième doigt, pas juste le premier. Cela vous permettra d’enchaîner plus facilement la gamme et d’avoir un rendu plus bluesy.

Maîtriser la gamme pentatonique majeure étendue

Repérer les positions facilement

Avant de pouvoir réaliser de beaux phrasés, il est important d’apprendre et de maîtriser les positions de la gamme pentatonique majeure. Sur le même principe que le penta run mineur, cette dernière va vous permettre de vous déplacer facilement de la position 1 à la position 5 du manche.

Ici encore, prenons l’exemple de la tonalité de La. Pour avoir un point de repère, la fondamentale se situe sur la cinquième case de la sixième corde. La position 5, aussi appelée position de Sol, va se trouver à gauche de votre fondamentale :

La position 1 ou position de Mi va se situer, quant à elle, à droite de celle-ci :

Enchaîner les positions à l’aide de slides

Maintenant que vous maîtrisez les bases de la gamme pentatonique, regardons comment passer de l’une à l’autre sur le manche avec le penta run majeur.

Vous allez donc jouer la fondamentale et la seconde majeure puis slider avec votre troisième doigt jusqu’à la tierce située deux cases plus loin. Il vous suffit, ensuite, de continuer l’enchaînement avec votre premier doigt sur la quinte de la corde inférieure puis la sixte avec votre annulaire.

Continuez cette séquence une troisième fois mais à l’octave supérieure, en faisant attention au fameux décalage de la corde de Si. En effet, vous trouverez votre tonique non pas en dessous de la quinte, mais juste à côté soit en case 10 :

Pour vous aider à bien réaliser cet enchaînement, reportez-vous à 5:07 min de la vidéo tuto :

Prolonger le penta run majeur dans les aigus

Lors de vos solos ou vos impros, il est fort probable que vous ayez envie de rester dans les aigus. Ce n’est pas un souci ! En vous retrouvant sur votre position 5 à la fin de votre penta run, vous n’avez plus qu’à repartir sur les aigus de la position 1 (cf à 8:50 de la vidéo).

Cette technique offre beaucoup de liberté à votre jeu tout en couvrant une grande partie du manche de votre guitare.

Vous n’êtes pas à l’aise avec la position 5 de la gamme pentatonique majeure ? Rendez-vous sur cette vidéo qui y est entièrement dédiée :

Travailler ses phrasés avec le bend et le double-stop

Trouver les notes clés avec les bons bends

Travailler cette gamme dans l’ordre, c’est bien pour se l’approprier. La faire sonner, c’est encore mieux ! Il ne s’agit pas de jouer une multitude de notes à la seconde, mais plutôt de repérer les endroits où insérer des plans mélodieux.

En plus de la fondamentale, c’est notre tierce majeure qui nous intéresse particulièrement. Vous allez pouvoir la chercher avec un bend d’un ton sur la seconde majeure placée sur la troisième corde. C’est une excellente façon de conclure vos phrasés, à utiliser sans modération dans vos solos ou vos intros.

Autre astuce intéressante : jouez brièvement la sixte majeure lorsque vous allez chercher votre tierce juste au-dessus. Vous avez un exemple à 12:15 min de la vidéo.

Vous pouvez également entrecouper votre bend en jouant la quinte avec votre petit doigt sur la corde inférieure. C’est une pratique que l’on retrouve beaucoup en country, en rock ou encore en blues.

Enrichir son impro avec le double-stop

Très utilisé dans la soul des années 1960, le double-stop consiste à jouer deux notes en même temps. Dans la gamme pentatonique majeure, il apporte des sonorités très riches emplies d’émotions. Il a l’avantage de pouvoir être appliqué à tous les endroits du run qui s’y prêtent.

Regardons par exemple comment réaliser un double-stop en tonalité de La. Je vous remets le schéma du penta run majeur pour une meilleure compréhension :

Il vous suffit de positionner votre deuxième doigt sur la fondamentale placée sur la case 10 de la corde de Si.

Vous allez ensuite apposer votre index sur la quinte en case 9 de la corde supérieure. L’objectif va être de jouer ces deux notes tout en faisant un hammer sur la case 11 de la troisième corde avec votre annulaire. Faites attention cependant, à bien laisser sonner la deuxième corde sans la gêner avec le doigt qui réalise le hammer (cf la vidéo à 14:30 min).

Vous pouvez également apporter une touche de subtilité en ajoutant un slide de deux cases vers la droite. Vous allez donc placer vos doigts sur la quinte et la fondamentale puis glisser pour atterrir simultanément sur la seconde et la sixte majeure. Pour conclure ce phrasé, il vous suffit de repartir en arrière et de retrouver votre quinte ainsi que votre tonique.

Ce ne sont que 2 exemples parmi les nombreuses possibilités qui s’offrent à vous : soyez créatifs !

Le penta run majeur et mineur en bref

Vous l’aurez compris, les penta run majeur et mineur vous offrent beaucoup de possibilités pour bien vous lancer dans les solos ou dans l’impro. Quelle que soit la gamme, il est vraiment important de repérer la place de la fondamentale dans chacune des trois positions.

À partir de là, vous pourrez déceler les bons emplacements pour effectuer des slides, des bends ou des doubles-stops qui vont apporter plus de nuances à votre jeu. Et surtout, n’ayez pas peur de mixer les deux gammes pentatoniques étendues entre elles lorsque le contexte musical le permet, en Blues par exemple. À vous de jouer !

Vous voulez mettre en pratique vos penta run et double-stops comme les plus grands guitaristes ? Découvrez sans plus attendre comment les utiliser avec les accords à la Hendrix.

Rédigé par Alexandra BENHADADOU

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Money for nothing : Technique de main droite de Mark Knopfler

Cédric — Sun, 25 Sep 2022 16:17:48 +0000

Money for nothing : sonner à la Mark Knopfler

Vous aimeriez jouer les morceaux de Dire Straits, mais vous n’arrivez pas à sonner comme Mark Knopfler ? Cet article devrait vous aider !

Pendant plusieurs années, je me suis arraché les cheveux à essayer de comprendre pourquoi mes rythmiques restaient fades quand je tentais de reprendre du Dire Straits.

Après pas mal de temps le nez collé sur mon écran (et les oreilles à l’affût) à regarder des vidéos de ses prestations live, j’ai identifié quelques indices qui devraient vous aider à vous approcher du son de Sir Mark.

Vous trouverez en fin d’article la tablature et ma vidéo tuto de Money for nothing, pour mettre tout cela en pratique.

Allers-retours à la main droite

« Il faut jouer aux doigts, il n’utilise jamais de médiator. » Voilà la réponse unique que j’obtenais quand je posais des questions à mes profs ou aux autres guitaristes sur le son de Mark Knopfler.

Ok, merci, mais il doit y avoir autre chose puisque mes reprises (et les leurs) restaient fadasses et plates en comparaison des vrais morceaux. J’avais bien compris qu’il fallait les jouer sans médiator, mais pas moyen de me rapprocher du groove et du dynamisme des chansons originales.

Jusqu’à ce qu’un de mes profs me donne enfin une réponse concrète : « Fais des allers-retours avec l’index et le majeur de ta main droite, ça va varier le son et les dynamiques de tes notes. »

Hallelujah ! Ah non, ça c’est un autre morceau… Eureka ! Comme je vous le montre plus bas dans ma vidéo tuto de Money for nothing, c’est effectivement une des techniques principales qu’il faut absolument travailler pour sonner à la Knopfler.

Pourquoi ? Parce que la sonorité est forcément différente entre les grattages des cordes vers le bas (percutés) et ceux vers le haut (tirés). C’est, entre autres, cette variation discrète de dynamique qui va apporter du relief à l’ensemble.

Prenez le temps de bosser la précision de ce geste peu courant. Trouvez le bon angle d’attaque et soyez attentif à gratter uniquement les cordes que vous visez. Prêtez attention à ce que vos allers et retours sonnent à un volume à peu près identique. Comme d’habitude, commencez doucement, et accélérez au fur et à mesure en privilégiant la propreté du geste à la prise de vitesse.

Où sont ces fichues notes ?

Les allers-retours avec les doigts de la main droite, check ! Mais ce n’était pas encore ça. En écoutant la musique avec les tablatures sous le nez, il me semblait entendre plus de notes que je n’en lisais.

Après quelques visionnages de vidéos au ralenti, j’ai enfin compris : il ne s’agit pas de notes, mais de ghost notes. Knopfler agrémente ses rythmiques (et ses solos) en grattant une ou plusieurs cordes étouffées entre les notes qu’il joue.

C’est une technique très courante dans énormément de styles, me direz-vous. On continue de gratter en relevant les accords pour obtenir un « tchak-tchak » percussif qui gonfle nos rythmiques. Les cordes ne touchent plus le manche, mais les doigts restent en contact continu avec elles.

La différence, c’est que Knopfler cible les cordes étouffées qu’il veut jouer, et les intègre donc plus subtilement dans ses riffs et ses rythmiques que s’il les grattait toutes. Vous verrez dans le tuto de Money for nothing qu’il ne joue qu’une ou deux cordes à la fois en ghost notes.

Ajoutez à cela sa technique d’allers-retours des doigts de la main droite dont j’ai parlé précédemment, et vous commencez à vous rapprocher du son de guitare typique de Dire Straits.

Là encore, soyez précis lorsque vous travaillez ces ghosts notes. Grattez uniquement les cordes concernées. Soyez attentifs au volume de ces notes étouffées par rapport à celles qui sont jouées, et intégrez-les dans le bon timing. Un petit conseil (trop peu suivi par mes élèves malheureusement) pour bosser ça : le métronome est votre ami !

Silences, staccato et groove

Un autre point crucial essentiel à mettre en avant : les silences et les staccatos. Comme souvent en musique, la technique instrumentale et les notes ont certes leur importance, mais elles ne servent à rien sans maîtrise rythmique.

Et qu’y a-t-il de plus important dans le rythme ? Le silence, mon cher Watson !

Prêtez l’oreille aux nombreux moments où Knopfler coupe le son de ses notes en plein milieu de ses phrasés solos ou de ses rythmiques. Pour ce faire, il utilise soit sa main gauche, soit les doigts ou la paume de sa main droite qu’il pose sur ses cordes.

Il joue également souvent ses notes et ses accords en staccato. Autrement dit, il relève les doigts de sa main gauche presque immédiatement après les avoir fait sonner. Cela apporte beaucoup de groove et de dynamisme à ses phrasés et ses rythmiques.

C’est une technique de jeu énormément utilisée, et donc très intéressante à travailler. Elle est particulièrement prisée en Blues, Soul, Reggae ou Funk, et dans tous les styles où le rythme est roi.

Wha-wha immobile : le secret du son de Money for nothing

Ok, ce n’est pas vraiment un secret, mais il me paraît tout de même essentiel de le rappeler. De nombreuses sources sur le Web en parlent, à commencer par Mark Knopfler lui-même. Il a passé beaucoup de temps sur les réglages de son matos pour obtenir le son qu’il avait en tête pour la guitare de ce morceau.

Et en retournant en studio après une pause, il a eu son illumination : enclencher une wha-wha et ne plus y toucher !

Évidemment, chaque pédale a un son qui lui est propre. Mais peu importe le modèle que vous utilisez, il vous aidera à sonner comme la version album du morceau. Si vous êtes équipés d’une wha-wha, enclenchez-la et essayez de repérer le « sweet spot ». C’est le réglage sur votre pédale qui se rapprochera le plus du son original.

En général, il faut que votre wha-wha soit en position basse, presque au niveau de l’enclenchement. Vous avez trouvé ? Parfait, maintenant n’y touchez plus et contentez-vous de jouer sur votre guitare.

C’est un gimmick souvent utilisé pour obtenir un son plus aigu, plus tranchant et un peu plus nasillard. Il est courant en rythmique reggae, par exemple.

Mise en pratique : tuto Money for Nothing

Je vous mets ici une leçon en vidéo détaillée du riff principal de Money for nothing pour vous entraîner aux subtilités guitaristiques de Mark Knopfler. Vous trouverez juste en dessous les tablatures correspondantes, avec les indications de doigts à utiliser à la main droite sur chaque note.

Pour rappel, voici à quoi correspondent ces indications :

T : pouce (« Thumb » en anglais) ;
I : index ;
M : majeur.

Il n’utilise ni l’annulaire ni le petit doigt, comme dans la plupart de ses morceaux.

J’espère que cet article et la vidéo tuto de Money for nothing vous auront éclairé sur le jeu à la Mark Knopfler.

Il vous est bien entendu indispensable de maîtriser ces techniques pour jouer correctement les morceaux de Dire Straits. Mais je vous encourage également à les utiliser dans vos impros, vos compos et vos arrangements pour apporter de la variété à votre son.

Laissez-moi un commentaire ci-après ou sous la vidéo YouTube pour me faire part de vos progrès.

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Accords à la Hendrix : mixez rythmique et jeu lead en blues, soul, rock, funk

Cédric — Mon, 12 Sep 2022 15:05:23 +0000

Accords à la Hendrix : mixez rythmique et jeu lead en blues, soul, rock, funk

Vous en avez assez de vous user les poignets sur des chansons en accords barrés ? Vous souhaitez enrichir vos accords en y ajoutant des notes de penta ou booster vos rythmiques en y intégrant des phrases lead qui suivent la grille ?

Les accords à la Hendrix vont vous plaire.

Dans cet article, nous verrons en détail :

Ce qu’est un accord « à la Hendrix » ;
Le placement sur le manche des 4 positions majeures et mineures ;
Les enrichissements possibles grâce aux positions de pentas correspondantes ;
Les positions de penta runs permettant d’intégrer des phrases lead entre vos accords ;
Les autres notes hors gamme à utiliser pour varier vos sonorités ;
Comment utiliser votre pouce pour créer des lignes de basse.

Prêt à monter d’un cran dans vos accompagnements rock, blues, soul et funk ? C’est parti !

Qu’est-ce qu’un accord à la Hendrix ?

On appelle « accords à la Hendrix » des positions utilisées par Jimi à la place des barrés en position de Mi et de La. L’intérêt de ce style de jeu est double.

1. Remplacer vos accords barrés

Tout d’abord, il permet de remplacer les barrés. Les puristes de l’oreille absolue pourront objecter que le son n’est pas parfaitement identique, mais les notes jouées sont exactement les mêmes.

Vous pouvez donc alterner positions à la Hendrix et barrés pendant vos longues sessions de guitare, en répétition ou en concert, pour soulager les muscles et les tendons de vos mains et vos poignets. Ou carrément ne plus jouer de barrés.

Je vous déconseille toutefois cette dernière option, car arrivera forcément un jour où vous aurez besoin de refaire des barrés. Vous risquez alors d’avoir la désagréable impression de revenir à votre première année de guitare. Vous savez, lorsque vous vous battiez avec votre Fa au bout du manche pour faire sonner cette f***ue corde de Si… Ce serait dommage de perdre cette compétence douloureusement acquise !

2. Enrichir vos accompagnements avec des notes de gammes pentatoniques

Le second intérêt des positions à la Hendrix, c’est de libérer un ou plusieurs doigts qui pourront alors ajouter des notes à l’accord. Il peut s’agir de notes statiques, qui viendront enrichir l’accord en 7e, 9e, 13e, etc.

Mais Hendrix préférait s’en servir comme notes de passage, en les jouant avec des hammers, pull-off, slide, bends et autres effets de jeu, souvent en double-stops. Cela lui permettait de faire des phrases mélodiques tout en maintenant ses rythmiques.

Ces notes appartiennent à la gamme pentatonique correspondant à l’accord joué. Sur un accord majeur, on utilise les degrés de la penta majeure, soit la seconde et la sixte. Sur un accord mineur, on ajoute les degrés de la penta mineure, soit la quarte et la septième. Pour rappel, la fondamentale, la tierce (majeure ou mineure) et la quinte font déjà partie de l’accord.

Ces notions de degrés vont effraient ? Ne vous enfuyez pas ! Je vous montre plus bas dans l’article où elles se situent autour de votre accord et dans les positions de pentas. Mais je vous conseille vivement de rattraper ces lacunes si vous souhaitez progresser à la guitare, notamment en impro ou dans des styles comme le blues, la soul ou le jazz.

Vous trouverez plein d’infos sur le sujet dans mes vidéos et mes articles.

Hendrix a-t-il inventé ces positions d’accords ?

En réalité, Hendrix n’est pas le premier à utiliser ce type de rythmique, de nombreux guitaristes utilisent déjà ce principe avant lui, notamment en Blues et en Rhythm and Blues (Soul).

Il est probable qu’il ait développé ce style de jeu lorsqu’il accompagnait des chanteurs Soul. En effet, avant son succès dans le milieu naissant du blues-rock, il a d’abord écumé le Chitlin Circuit (les clubs de musique fréquentés principalement par les Afro-Américains pendant la ségrégation raciale) pendant plusieurs années. Il y accompagnait des artistes de Rhythm and Blues, notamment Little Richard, Sam Cooke ou encore Ike & Tina Turner.

Il est plus que probable que Hendrix ait également eu son lot de jams Blues pendant ces années d’expérimentations scéniques. Vu la taille impressionnante de ses paluches et sa propension à improviser des phrases lead entre les accords, pas étonnant qu’il ait rapidement adopté ce type de jeu.

S’il n’est pas l’inventeur de ces positions d’accords, il a toutefois poussé leur utilisation à un tel niveau qu’il a clairement inspiré les foules à l’imiter. Si vous voulez jouer un morceau de Hendrix, vous devez obligatoirement maîtriser ces positions. Les guitaristes ont donc pris l’habitude de les appeler « accords à la Hendrix ».

Des tonnes de guitaristes renommés ont adopté cette façon de jouer depuis les années 70, notamment Stevie Ray Vaughan, John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), Popa Chubby ou encore John Mayer, pour ne citer que les premiers qui me passent par la tête.

Alors, motivé ? Assez tourné autour du pot, voyons de plus près ces fameuses positions !

Accord majeur en position de Mi à la Hendrix

Pour rappel, quand je parle de « position de Mi », « position de La », etc, je fais référence au système CAGED. Si ça ne vous dit rien, je vous renvoie à ma vidéo sur le sujet :

Pour résumer très grossièrement, ce système permet d’associer les positions de barrés issues des accords ouverts (Do, La, Sol, Mi, Ré => C,A,G,E,D) aux positions de gammes situées au même endroit sur le manche.

Voici donc un bon vieux barré de Sol majeur en position de Mi :

Si vous utilisez votre pouce pour jouer la fondamentale sur la corde de Mi grave, plus besoin de faire un grand barré sur 6 cordes. Ô joie et relaxation digitale : vous n’avez plus qu’à faire un mini barré sur les 2 cordes aiguës.

Comme je l’ai expliqué plus haut, le second intérêt des positions à la Hendrix est de libérer un doigt pour jouer des notes autour de l’accord. Nous allons donc laisser tomber la quinte située sur la corde de La, qui ne présente que peu d’intérêt harmonique, et déplacer notre annulaire sur la corde de Ré, à la place du petit doigt. Pensez bien à étouffer la corde de La avec le haut de votre annulaire et/ou votre pouce, afin d’éviter toute note disgracieuse.

Voici le résultat final (« T » représente le pouce – « Thumb » en anglais) :

Réussir à faire sonner cet accord et à se sentir à l’aise en le jouant risque de vous prendre du temps, ne vous inquiétez pas, c’est tout à fait normal. Soyez patient et persévérant, prenez le temps de chercher les angles de pouce et de poignet qui vous conviennent le mieux, et vous y arriverez.

Je vous donne des conseils précis sur le positionnement dans ma vidéo dédiée aux accords majeurs à la Hendrix, que je vous invite à regarder en parallèle de la lecture de cet article :

Enrichir la position de Mi et créer des phrases lead

Accord majeur et penta majeure en position de Mi

Comme je vous l’ai expliqué précédemment, un des grands intérêts de cette façon de placer les accords est d’avoir facilement accès aux notes de la penta majeure qui se trouvent autour d’eux. Vous pouvez ainsi enrichir votre accord en 9e (en ajoutant la seconde) ou en 13e (en ajoutant la sixte), ou jouer des phrases mélodiques tout en maintenant votre rythmique.

La gamme pentatonique majeure contient les degrés suivants :

Fondamentale, seconde majeure, tierce majeure, quinte juste et sixte majeure.

Votre accord majeur contient déjà la fondamentale, la tierce majeure et la quinte. Il vous suffit donc d’aller chercher la seconde et la sixte pour avoir sous les doigts l’ensemble de votre gamme.

Voici un schéma vous permettant de visualiser ces notes sur le manche (en bleu), autour de votre accord (en noir) :

Vous pouvez également rajouter la quarte juste. Elle ne fait pas partie de la pentatonique majeure, mais elle appartient à la gamme majeure (ou mode Ionien), et fonctionnera dans la majorité des cas. Attention toutefois à cette note, qui peut parfois amener une tension très forte si vous restez dessus. Elle fait néanmoins une très bonne note de passage avant de retomber sur la tierce majeure ou la fondamentale (voir l’exemple en vidéo).

Voici où elle se situe :

Accord en position de Mi et penta run majeur

Vous pouvez également utiliser votre penta run majeur (ou gamme pentatonique majeure étendue) pour créer des phrases lead autour de votre accord. Il s’agit des mêmes notes que la penta majeure, mais agencées de façon plus horizontale.

C’est donc un excellent moyen de jouer avec plus de slides, et de vous déplacer entre deux positions situées à différents endroits du manche. Voici un schéma du penta run majeur (en bleu) autour de votre position d’accord (en noir) :

J’ai volontairement ignoré les notes du penta run situées sur les deux cordes aiguës, qui s’éloignent trop de la position d’accord de Mi. Vous pouvez tout de même les jouer si vous le souhaitez.

Accord majeur en position de La à la Hendrix

La position de La à la Hendrix est beaucoup plus simple à effectuer que la position de Mi. Rappelons tout d’abord à quoi ressemble un accord barré « traditionnel » en position de La. Prenons l’exemple d’un Do :

Pour le transformer en position à la Hendrix, il vous suffit de faire un renversement à la tierce. Je vois déjà les stressés de la théorie froncer les sourcils mais n’ayez pas peur, c’est tout simple : remplacez simplement la fondamentale de la corde de La par la tierce majeure située 4 cases plus loin.

La note la plus grave de l’accord est donc désormais la tierce majeure, à savoir la note de Mi dans notre exemple, jouée par l’annulaire. Remplacez celui-ci par votre index pour réaliser le barré qui appuie sur les cordes de Ré, Sol et Si.

Cette position ne nous donne plus accès à la quinte située sur la corde aigüe. On se contentera donc d’étouffer cette dernière avec le bas de notre index. Voici ce que cela donne sur le manche :

Enrichissements et solos sur la position de La

Accord majeur et penta majeure en position de La

Comme pour la position de Mi, vous pouvez utiliser les notes de la gamme pentatonique majeure situées autour de votre position d’accord de La. Vu que nous avons décalé notre main vers la droite en faisant notre renversement, nous allons utiliser la position de Sol de la penta majeure. Voici le schéma de cette position :

Il n’est pas très pratique d’utiliser les notes situées sur la corde de Mi grave tout en maintenant la position de l’accord. Voici donc un schéma plus réaliste vous indiquant les notes à jouer autour de votre position :

J’ai tout de même indiqué la seconde située derrière la note la plus grave, car elle vous offre la possibilité d’arriver sur celle-ci avec un joli hammer-on ou un slide.

Accord en position de La et penta run majeur

Voici un schéma vous indiquant les notes du penta run majeur les plus utilisées pour phraser autour de cette position de La à la Hendrix :

Là encore, vous pouvez tout à fait utiliser des notes du penta run situées sur les cordes de Mi grave, de Si et de Mi aigu, mais elles sont plus éloignées de votre accord. Vous devrez donc lâcher votre position pour pouvoir les atteindre.

Accord mineur en position de Mi à la Hendrix

Pour obtenir un accord mineur, nous allons partir de la position majeure et remplacer notre tierce majeure par une tierce mineure.

Reprenons donc notre position majeure de Mi à la Hendrix :

En reculant d’une case (donc d’un demi-ton) la tierce majeure pour obtenir une tierce mineure, indiquée par « b3 » sur le schéma, cela nous donne :

Mixer cette position avec la pentatonique mineure

Accord mineur et penta mineure en position de Mi

Le principe est toujours le même : utiliser la position de pentatonique sur laquelle est construite votre accord. Or, l’accord étant cette fois mineur, nous allons utiliser la gamme pentatonique mineure :

Les notes de l’ensemble de cette position de penta sont facilement accessibles depuis la position de l’accord, je vous les ai donc toutes indiquées. Seule la tierce mineure située sur la corde de Mi grave peut vous demander quelques torsions acrobatiques de la main, mais elle reste atteignable pour les guitaristes avancés.

On peut transformer la penta mineure en penta blues (le terme exact serait « hexa blues » puisqu’elle contient 6 notes) en y ajoutant la quinte diminuée. Cela permet de rajouter de la tension dans vos phrases mélodiques, de sonner un peu plus bluesy et de pouvoir envoyer un peu plus de notes à la seconde :

Vous pouvez également ajouter à tout cela la seconde majeure située sur la corde de Mi aigu. Assez neutre, elle passera en général très bien sur un accord mineur ou mineur 7 :

Accord en position de Mi et penta run mineur

N’hésitez pas à utiliser le penta run mineur (ou gamme pentatonique mineure étendue), dans le même esprit que ce que nous avons vu précédemment pour les accords majeurs. Cela vous mettra sous les doigts de nombreuses possibilités de plans en slide, hammer/pull-off et double-stop.

Voici l’ensemble du penta run mineur autour de votre position d’accord mineur à la Hendrix :

Accord mineur en position de La à la Hendrix

Cette variante, contrairement aux autres, change peu de la version classique de barré mineur en position de La. Il s’agit simplement d’enlever le petit doigt de la corde de Sol, ce qui revient à faire une position d’accord mineur 7. Voici un schéma de Mi mineur en position de La à la Hendrix, ou Mi mineur 7 :

En plus de donner à l’accord une sonorité plus jazzy, cela libère notre petit doigt pour jouer les notes de la position de pentatonique mineure correspondante.

Enrichir la position de La et créer des phrases lead

Accord en position de La, penta mineure et penta run mineur

Sous cette forme d’accord, on peut retrouver la quatrième position de la gamme pentatonique mineure :

Là encore, il est tout à fait possible d’y ajouter la « Blue note », ou quinte diminuée, pour obtenir la penta blues :

Il est également courant d’y ajouter la sixte majeure, ce qui fera sonner votre accord dans l’esprit du mode Dorien (qui contient les mêmes notes que la penta mineure – et donc que votre accord – ainsi que la sixte) :

Enfin, vous pouvez cette fois encore utiliser votre penta run mineur, qui dans le cas d’une fondamentale placée sur la 5e corde donne :

Petit bonus : jouer des lignes de basse au pouce

Revenons rapidement sur les positions de Mi (majeure et mineure). Un autre avantage avec ces deux positions à la Hendrix, c’est de pouvoir utiliser votre pouce pour faire des lignes de basse tout en jouant les notes aigües de l’accord. Il suffit pour cela de déplacer votre pouce sur les notes de la gamme pentatonique situées sur la corde de Mi grave. Vous avez deux solutions pour identifier ces notes :

Connaître les notes de musique appartenant à la gamme sur laquelle vous jouez ;
Repérer visuellement les notes du penta run ou des positions de penta correspondant à votre accord ou à votre tonalité et placées sur la corde de Mi grave.

N’oubliez pas d’utiliser votre corde à vide si la note de Mi fait partie de la gamme sur laquelle vous construisez votre ligne de basse. Je vous montre plus en détails comment jouer des lignes de basse au pouce, placer les positions mineures à la Hendrix sur le manche et les compléter avec les notes de la penta mineure, la blue note, la seconde et la sixte dans cette vidéo :

Comme vous pouvez le constater, les possibilités qui s’offrent à vous avec les accords à la Hendrix sont juste énormes !

Faites d’ailleurs attention à ne pas vous perdre lorsque vous commencez à explorer cette façon de jouer vos rythmiques. On peut en effet avoir tendance à vouloir utiliser toutes les notes à portée de main dans chacune de nos phrases ou sur chaque accord.

N’oubliez pas d’adapter vos phrases mélodiques au contexte harmonique et aux sonorités que vous souhaitez apporter à votre morceau ou votre impro. Il ne s’agit pas de placer les plus de notes possibles, mais d’être le plus musical possible !

Mais surtout, soyez créatifs et amusez-vous !

Retrouvez les principales positions de gammes et d’accords dans ce fichier PDF à télécharger gratuitement :

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Comprendre et utiliser les progressions d’accords en gamme majeure pour composer et improviser

Cédric — Mon, 05 Sep 2022 09:32:02 +0000

Improvisez et composez facilement avec les progressions d’accords en gamme majeure

Vous souhaitez vous lancer dans la création de vos propres compositions ? Pour cela, il est essentiel d’imaginer une suite d’accords qui soit harmonieuse à l’oreille. L’apprentissage et la compréhension de la gamme majeure sont un atout précieux pour y parvenir facilement.

Je vous propose ici d’approfondir la notion de progressions d’accords en gamme majeure. Si vous suivez l’ensemble de mes conseils, vous serez en mesure de rapidement construire des accompagnements musicaux beaux et efficaces pour accompagner vos lignes de chant ou vos solos en gamme majeure.

Je vous donne également les principales progressions utilisées dans la musique moderne occidentale, avec des exemples de morceaux connus pour vous les mettre dans l’oreille

Les enchaînements d’accords à la guitare

Revenons tout d’abord sur la notion d’accord. Il s’agit d’un ensemble d’au moins trois notes jouées simultanément, constitué d’une fondamentale, une tierce (majeure ou mineure) et une quinte.

Une progression d’accords est une série d’au moins deux accords à la suite l’un de l’autre. Lorsque l’on souhaite improviser ou composer ses propres grilles d’accompagnement à la guitare, il est très utile de savoir comment enchaîner les accords pour créer une suite harmonieuse.

On peut, bien évidemment, se fier uniquement à son oreille pour écrire une suite d’accords, mais connaître quelques bases d’harmonie vous fera gagner du temps et vous amènera plus d’idées.

C’est un peu comme la poésie : il est tout à fait possible d’écrire un beau poème à l’instinct, mais si vous maîtrisez l’orthographe, la grammaire et les différentes métriques (alexandrins, etc.), vous mettez plus de chances de votre côté de réaliser une belle œuvre.

Les degrés de la gamme majeure

Une gamme est un ensemble de notes, appelées degrés, qui se succèdent dans un ordre précis. Par exemple, la gamme de Do majeur est composée des notes : Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si. Elle fait partie des gammes dites heptatoniques, c’est-à-dire composées de sept notes.

Elle est caractérisée par des intervalles, dont la structure est toujours la suivante :
un ton – un ton – un demi-ton – un ton – un ton – un ton – un demi-ton.

À l’écrit, les différents degrés de la gamme sont retranscrits par des chiffres romains. Si l’on reprend l’exemple de la gamme de Do majeur, les degrés successifs de la gamme s’écrivent comme suit : I – II – III – IV -V – VI – VII. Ils représentent respectivement les notes Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si.

À partir de chacune de ces notes sont construits des accords. Je reviendrai dans un prochain article sur l’harmonisation de la gamme, c’est-à-dire la façon dont les accords sont construits sur la gamme. Ici, prenons simplement pour acquis qu’une gamme majeure harmonisée est constituée de :

3 accords majeurs (les premier, quatrième et cinquième degrés) ;
3 accords mineurs (les deuxième, troisième et sixième degrés) ;
1 accord diminué (le 7e degré).

Très souvent, afin de distinguer plus facilement les accords majeurs et les accords mineurs, on les écrit comme ceci :

Accords majeurs : I, IV, V ;
Accords mineurs : ii, iii, vi.

La connaissance de la gamme majeure est essentielle lorsque l’on joue d’un instrument de musique. C’est elle qui détermine la compréhension de la théorie musicale de base. Elle permet, à terme, de gagner en autonomie dans la création de compositions et de solos.

Focus sur la gamme pentatonique majeure

Comme son nom l’indique (penta signifie « cinq » en grec), la gamme pentatonique est composée de cinq degrés : I – II – III – V – VI. Elle est qualifiée de majeure car elle contient une tierce majeure.

On peut remarquer qu’elle contient les mêmes degrés que la gamme majeure, sauf le quatrième et le septième.

La gamme pentatonique majeure est particulièrement utilisée dans l’élaboration de solos et d’improvisations dans le rock, le blues, la soul et le folk. Elle est simple à mémoriser et peu complexe à jouer.

Les progressions d’accords I, ii, III, V et vi fonctionneront donc parfaitement avec la gamme pentatonique majeure. De la même façon, on peut improviser sur la gamme pentatonique majeure sur n’importe quelle progression d’accords construite sur la gamme majeure.

Solo en mode ionien, en gamme majeure ou en penta majeure ?

Le mode ionien est le premier mode de la gamme majeure. Par abus de langage, quand on dit que l’on compose un solo ou que l’on improvise sur « la gamme majeure », on parle en réalité du mode ionien.

Sur une progression d’accords en gamme majeure, il est donc possible de jouer un solo soit en pentatonique majeure, soit en mode ionien (appelé le plus souvent « gamme majeure »), soit en mélangeant les deux.

Transposition des progressions d’accords en gamme majeure avec les barrés

Si vous avez peu de bases en théorie musicale, il peut être un peu complexe au début de transposer les progressions d’accords dans toutes les tonalités. Utiliser des barrés peut vous aider à changer la tonalité de vos grilles d’accords de façon plus visuelle que théorique.

Par exemple, pour décaler les accords en tonalité de Ré, il suffit de déplacer de deux cases vers la droite toutes les positions d’accords proposées en tonalité de Do. Vous pouvez également utiliser les powerchords. Il s’agit, en français, des « accords de puissance », ou « accords de quinte ». Ce sont des accords simplifiés, constitués uniquement de deux degrés, la tonique et la quinte. Ils sont principalement utilisés en rock, hard rock et métal.

Les progressions d’accords peuvent également être jouées en arpèges, ou encore avec des accords enrichis (septièmes, neuvièmes, etc.).

Les cadences majeures

Les progressions d’accords en gamme majeure les plus utilisées

Les cadences sont des enchaînements de degrés tellement utilisés que des noms leur ont été attribués. Elles constituent le squelette harmonique de la plupart des genres musicaux occidentaux et, plus largement, de notre culture musicale anglo-saxonne et européenne.

Nos oreilles étant habituées à les entendre partout depuis notre naissance, les cadences sont des aides précieuses lorsque l’on souhaite créer une composition musicale.

Commençons par les deux plus courantes en gamme majeure : la cadence parfaite et la cadence plagale. Utilisées depuis plusieurs siècles, on les retrouve couramment dans la musique d’église, mais aussi en pop, rock, country, folk et à peu près tous les styles musicaux modernes.

Pour rappel, les noms d’accords sont indiqués à l’écrit par des lettres en majuscules. Si vous n’êtes pas familier avec cette notation, allez jeter un coup d’œil à l’article sur les accords de base, où je vous explique cela en détail.

La cadence parfaite

La cadence parfaite est un enchaînement des degrés V et I. Cette cadence a un effet d’aimant, l’accord V « appelle » l’accord I musicalement parlant. Elle est souvent utilisée pour conclure un morceau, ou une section musicale.

La cadence parfaite peut être comparée au point final d’une phrase.

La cadence plagale

La cadence plagale est un enchaînement des degrés I et IV :

Il est tout à fait possible de mélanger la cadence parfaite et la cadence plagale. Voici quelques propositions de mix :

I | IV | V (C | F | G) => Exemple : All Apologies de Nirvana (A | D | E), en tonalité de La ;
I | IV | V | IV (C | F | G | F) => Exemple : La Bamba de Ritchie Valens, en tonalité de Do ;
I | V | IV (C | G | F) => Exemple : Knocking on Heaven’s door de Bob Dylan (G | D | C | C), en tonalité de G ;
V | IV | I (G | F | C) => Exemple : Sweet Home Alabama de Lynyrd Skynyrd (D | C | G | G), en tonalité de G ;
I | IV | V | I (C | F | G | C) => Exemple : To be with you de Mr Big (G | C | D | G), en tonalité de G.

Il est courant de débuter et/ou de finir un enchaînement d’accords par le degré I (Celui qui donne la tonalité du morceau). Cela permet à l’auditeur, de manière souvent inconsciente, d’identifier directement la tonalité de la chanson.

L’anatole

Cette cadence est très courante et très utilisée dans de nombreux styles musicaux, notamment le jazz, la pop ou le rock. Elle est constituée de l’enchaînement suivant :

I | vi | ii | V, ou I | vi | ii | V | I.
En tonalité de Do, cela donne la progression : C | Am | Dm | G.

Exemples connus d’anatole :

Tous les garçons et les filles (Françoise Hardy) : C | Am | Dm7 | G7, en tonalité de Do ;
Blue Moon (Jazz) : F | D | Gm | C, etc. (tonalité de Fa).

À noter : Il est courant de remplacer le I par le iii, ou le ii par le IV.
Cela nous donne donc les deux progressions suivantes :

iii | vi | ii | V
En tonalité de Do, cela donne la progression : Em | Am | Dm | G.
I | vi | IV | V
En tonalité de Do, cela donne la progression : C | Am | F | G ;
=> Exemple de morceau : Stand by Me de Ben E. King (A | F#m | D | E | A), en tonalité de A.

Le II V I

La cadence II V I est particulièrement utilisée en jazz, mais on la trouve dans beaucoup d’autres genres musicaux. Comme son nom l’indique, elle est constituée de l’enchaînement des degrés ii, V et I.

On peut la considérer comme une cadence parfaite (V | I) précédée du second degré.

En tonalité de Do, cela donne : Dm | G | C ;
Exemple de morceau : Giant Steps de John Coltrane, entièrement constitué d’enchaînements de ii V I.

Les degrés iii et vi dans les progressions d’accords majeures

Ajouter les degrés iii et vi de la gamme apporte à vos compos une touche un peu plus mineure, voire légèrement mélancolique. Cela permet de nuancer un peu les sonorités de votre grille d’accords. L’impression d’ensemble reste majeure, mais avec un feeling plus doux, plus mélodique.

I | V | vi | IV => C | G | Am | F, utilisé dans énormément de morceaux. On peut citer notamment No woman no cry de Bob Marley ou Let it be des Beatles, tous les deux en tonalité de Do ;
I | vi | iii | V => C | Am | Em | G ;
I | vi | iii | IV => C | Am | Em | F ;
I | V | iii | IV => C | G | Em | F.

Dans l’apprentissage de la guitare, ou de tout autre instrument, la compréhension de la gamme majeure est indispensable. Elle constitue le fondement de la théorie musicale de la musique occidentale, et apprendre à l’utiliser vous aidera aussi bien pour l’improvisation que pour la composition.

Inspirez-vous des enchaînements d’accords proposés dans cet article, essayez-les dans différentes tonalités et amusez-vous à créer vos propres morceaux !

Retrouvez en vidéo des exemples de la majorité des progressions proposées précédemment :

Article rédigé en collaboration avec Irène Golliot

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